STEPENPROG

DUN - EROS (1981) [2006 REMASTERED + BONUS TRACKS]

2009-08-11T10:30:00.000-07:00

Nombre: Eros
Banda: Dun
Año: 1981
País: Francia
Sello: Soleil

TRACKLIST:
01 L'Epice [09:25]
02 Arrakis 1. L'Epice [09:36]
03 Bitonio [07:09]
04 Eros [10:17]
05 Bitonio (alternate) [10:20]
06 Arrakis (alternate) [05:07]
07 Eros (alternate) [07:11]
08 Acoustic Fremen (unreleased) [06:17]

Tiempo total: 62:22

EL DISCO:
El disco Eros, es el testimonio de la vanguardia musical que estaba aflorando a finales de los años 70 en Francia. Muchas otras agrupaciones que nunca llegaron a grabar son el testimonio de una búsqueda artistica desafiante por parte de los franceses, donde muchas veces fusionaban música con otras artes escénicas y audiovisuales. Pero hasta aqui no llegaba la apuesta. Grupos como Magma y Dun, demostraban un verdadero interés por hacer una música totalmente en contra del mainstream. Para lograr esta música sin restricciones, primeramente las bandas de rock se alimentaron con instrumentistas mas ligados a la música acádemica, y es asi que instrumentos como el oboe, fagot, corno, chelos y un largo etc. encontraron su lugar en una banda de "rock". Y escribo rock entre comillas, porque si bien se denomino al movimiento Zeuhl dentro del Rock in Opposition, de rock a secas tienen poco. Dun es considerada una banda Zehul, y si bien aparecen similitudes con Magma (zeuhl por autonomasia), la música de este grupo es a veces más frenetica y oscura. Dun, esta en el medio de Magma y Univers Zero. Un poco de Jazz, rock y múltiples acercamientos a otros estilos. Rítimicas cambiantes y complejas, y un gran contrapunto por parte de los instrumentos. La flauta ocupa uno de los roles principales, junto al piano y en menor medida los teclados que ambientan. La versatilidad de la bateria termina de cerrar la propuesta bizarra. Los demás instrumentos siempre acompañan casi improvisando sobre la alquimia musical.

Bonus...
El CD contiene 4 bonus tracks, siendo tres de ellos versiones demo de sendas piezas oficiales, mientras que el cuarto y último, ‘Acoustic Fremen’, consiste en una hermosa serenata bucólica de flauta y guitarra acústica, en la cual Geerarets y Vandenbulcke explotan su vena introspectiva con una sensibilidad inmensa. Sus 6 minutos de duración pasan realmente volando. Posiblemente no funcione bien como clausura para el disco,... !pero qué buen efecto hubiera producido ocupando un lugar intermedio dentro del repertorio oficial, grabado y mezclado de forma profesional

PERSONAL:
Laurent Bertaud: batería
Jean Geeraerts: guitarras
Bruno Sabathe: piano, sintetizadores
Alain Termol: percusión
Thierry Tranchant: bajo
Pascal Vandenbulcke: flautas

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: xx (3 partes)

Formato de audio: FLAC
Peso: xx
Artwork: Scans, alta calidad

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ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: xx

Formato de audio:MP3, 320 kbps
Peso: 410 mb
Artwork: Scans, alta calidad

Proximamente...

THE SOFT MACHINE - THIRD (1970) [2007 REMASTERED + BONUS CD] + [VYNYL RIP]

2009-08-08T07:28:00.000-07:00

Nombre: Third
Banda: Soft Machine
Año: 1970
País: Reino Unido, Inglaterra
Sello: Columbia

TRACKLIST:
01 Facelift [18:54]
02 Slightly All The Time [18:14]
03 Moon In June [19:18]
04 Out-Bloody-Rageous [19:17]

Tiempo total: 75:43

DISCO BONUS
01 Out-Bloody-Rageous
02 Facelift
03 Esther’s Nose Job

EL DISCO:
Para muchos la obra magna de Soft Machine. Un caldo ácido de jazz-rock y psicodelia en partes iguales, luchando entre sí por salir al frente. De esta lucha surge la magia. Wyatt queria mantener la psicodelia del grupo mostrada en los discos anteriores, con claras melodías. Por su parte el resto de los miembros se inclinaban hacia el jazz, incluso el free jazz. Las pequeñas concesiones que hacen cada uno, dejan lugar al otro para exponer su idea y es realmente esto lo que hace este disco tan peculiar. Con una fuerte participación de los vientos estos cuatro tracks largos son una muestra perfecta de lo que se ha llamado “escena Canterbury”, nombrada así por la zona de donde surgieron los más grandes representantes de la misma. Soft Machine es una de ellos, y este disco una definición por si misma.
Lo cierto es que Third es un disco doble díficil de escuchar para algunos. Si bien, el desarrollo de cada idea a veces parece muy extenso, la música que contiene nos lleva de a poco a encerrarnos en ese encanto ácido tan particular de la banda. A diferencia de la psicodelia casi burlona de los discos anteriores, esta vez las ideas presentan una intencionalidad distinta. Bajos pulsantes, cuasi primitivos a veces, sumado a densas capas de intrumentación, donde los teclados parecieran intentar llevarnos a distintos estados psicologicos. Esta muy claro el papel casi fundamental de los vientos, que pasean libremente sobre las reiteraciones en los teclados y bajos. Como siempre, Wyatt presenta una soltura muy típica de él. Y si bien es cierto que ya comenzaban las diferencias musicales entre los miembros, no hay un desgano de su parte, y llena cada hueco libre con toda su calidad.
Esta reedición del año 2007, cuenta con un sonido remasterizado y por si fuera poco con un CD bonus de la banda en vivo. Esta performance fue grabada el 13 de Agosto de 1970 en “The Royal Albert Hall” en ocasión de “The Promenade Concert”

PERSONAL:
Robert Wyatt: batería, voz. piano, órgano, bajo
Hugh Hopper : bajo
Mike Ratledge: teclados
Elton Dean: saxo alto, saxello
Lyn Dobson: flauta, saxo soprano

Invitados:
Nick Evans: trombón
Jimmy Hastings: flauta, clarinete bajo
Rab Spall: violí eléctrico

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 408 mb (3 partes)

Formato de audio: FLAC
Peso: 410 mb
Artwork: Completo, alta calidad

CD BONUS: 215 MB, FLAC (separate tracks)

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ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 272 mb

Formato de audio: mp3, 320 kbps
Peso: 274 mb (incluye el CD bonus)
Artwork: Completo, alta calidad

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BONUS: Soft Machine - Third (1970) VYNYL RIP [24 bits/30.5 khz] Rapidshare, FLAC (separate tracks) 565 mb (3 partes)

HENRY COW - LEG END (1973) [ORIGINAL MIX]

2009-07-05T11:22:00.000-07:00

Nombre: Leg End
Banda: Henry Cow
Año: 1973
País: Reino Unido, Inglaterra
Sello: Virgin Records

TRACKLIST:
01 Nirvana For Mice [04:54]
02 Amygdala [06:52]
03 Teenbeat Introduction [04:24]
04 Teenbeat [06:49]
05 Nirvava Reprise [01:14]
06 Extract from [02:24]
07 Teenbeat Reprise [05:02]
08 The Tenth Chaffinch [05:57]
09 Nine Funerals of the Citizen King [05:27]

Tiempo total: 43:03

EL DISCO:
Siempre me llamó la atención que una placa como esta haya podido ser grabada en el año 1973. Y la cuestión esta en como una compañía discográfica se arriesgo a editar un producto tan extraño para la época, con una música totalmente singular, muy lejos de lo que se podría llegar a vender fácilmente. Leg End, es un discazo por donde se lo mire. Rompiendo cualquier esquema establecido, no es solo ruido organizado como suelen decir, sino que es una combinación muy equilibrada de muchísimos elementos. El Free Jazz, ya existía, también la música contemporánea, y el llamado rock progresivo, pero nunca se habian combinado todos estos elementos de una forma tan magistral. Henry Cow en esta placa debut logra una mescolanza muy equilibrada y excelente desde el punto de vista musical, de todos estos géneros mencionados. No por nada esta agrupación, junto a otras, son pioneras en el llamado "rock in opposition".
Que decir de los aportes individuales de cada uno de los miembros... Hodkingson se luce en los teclados y Fred Frith demuestra su completa versatilidad en la guitarra. Geoff Leigh demuestra todo su potencial al saxo en temas como "Nirvana for Mice" y la excelente, hipnótica e impredecible "Teenbeat". Podemos escuchar algunas pinceladas de Zappa, Jazz, experimentación oscura a lo Faust, improvisaciones, y algunas formas de folklore europeo, todo amalgamado con el sello unico de Henry Cow, por lo menos de sus inicios. Es una placa dificil de escuchar para los que solo estan familiarizados con el rock progresivo, pero los amantes del Jazz y la música contemporánea, encontraran muchos elementos conocidos. Un excelente disco, pilar de R.I.O. muy bueno para comenzar a explorar este género, y tal vez un disco impenetrable y algo dificil para los acostumbrados al rock mas convencional. Totalmente recomendado.

Henry Cow según Wikipedia:
Henry Cow es el nombre de un grupo inglés, fundado a finales de los años 60 en la Universidad de Cambridge por los multi-intrumentistas Fred Frith y Tim Hodgkinson. Disuelto a los diez años de su fundación, aún hoy se les recuerda como una de las bandas de corte más erudito dentro del contexto del rock experimental y de vanguardia.
Su música, compuesta frecuentemente por elementos ajenos al rock como el jazz, el dadaísmo o la música expresionista, dio lugar a un nuevo movimiento, que fue llamado “Rock In Opposition” (RIO), formado por varias bandas y músicos que exploraban hasta el infinito las posibilidades estilísticas que ofrecían el rock y el blues a la música académica y experimental.

PERSONAL:
Geoff Leigh: saxos, flauta, clarinete, picolo, voz
Tim Hodgkinson :organo, piano, saxo alto, clarinete, voz
Fred Frith : guitarras, violin, viola, piano, voz
John Greaves: bajo, piano, voz
Chris Cutler: bateria, juguetes, piano, voz

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 111 mb

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 113 mb
Artwork: Completo, alta calidad

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ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR (2 partes)
Peso: 250 mb (200 mb + 50 mb)

Formato de audio:FLAC
Peso: 253 mb
Artwork: Completo, alta calidad

GENESIS - SELLING ENGLAND BY THE POUND (1973)

2009-06-13T17:28:00.000-07:00

Nombre: Selling England by the Pound
Banda: Genesis
Año: 1973
País: Reino Unido, Inglaterra
Sello: Charisma / Atlantic

TRACKLIST:
01 Dancing With The Moonlit Knight [08:01]
02 I Know What I Like (In Your Wardrobe) [04:06]
03 Firth Of Fifth [09:34]
04 More Fool Me [03:09]
05 The Battle Of Epping Forest [11:43]
06 After The Ordeal [04:12]
07 The Cinema Show [11:06]
08 Aisle Of Plenty [01:31]

Tiempo total: 53:22

EL DISCO:
Aunque Selling England By The Pound es descripto por la banda como un álbum de altos y bajos, produjo varias canciones clásicas que han estado en el repertorio de Genesis desde que el álbum fue grabado hasta la última gira de 2007. En este álbum, Tony Banks hace uso por primera vez de los sintetizadores electrónicos, demostrado en la obra maestra "Firth Of Fifth", la cual tiene una magnífica introducción de piano y que lamentablemente fue cortada en las interpretaciones en vivo de la canción, luego de la gira de este álbum.

El álbum también contiene lo que la banda considera ser su primer éxito comercial, la canción "I Know What I Like". Por su parte, la canción "More Fool Me" además de ser una de las pocas canciones de Genesis que no incluye teclados o piano ("Happy The Man" es otro ejemplo), es la única canción del álbum en la que Phil Collins deja las baterías para hacer las partes vocales, siendo la primer canción del grupo en la que Collins cantó en vivo.
La canción de cierre "After The Ordeal" es una hermosa obra, que da un adelanto de cosas que vendrían más adelante de parte de Steve Hackett. Además, "I Know What I Like" tenía el potencial de ser un éxito mucho mayor del que realmente fue. El grupo estaba haciendo un video promocional de la canción para el programa "Top of the Pops" de la televisón birtánica, pero no estuvieron satisfechos con la calidad del video y nunca fue mostrado.
El álbum en si mismo es considerado por muchos como el disco más representativo del período de Peter Gabriel en el grupo. Es un disco que sintetiza todo los avances sonoros de la banda. La batería de Collins en "I know what like" y en "Cinema Show", la voz vibrante y emotiva de Gabriel en el comienzo de "Dancing with the moonlit knight" o la guitarra virtuosa de Hackett en "Firth Of Fifth" hacen de este, un disco memorable.
Sin embargo, un lugar especial ocupan las preciosistas atmósferas de los teclados de uno de los mayores genios del órgano, piano y sintetizadores: Tony Banks. Letras sugerentes, metafóricas en canciones de claro carácter sinfónico. La música de Génesis seduce con delicados episodios instrumentales en donde sobresalen el dominio asombroso de cada instrumento y, lo más importante, su perfecta conjunción.

Las representaciones musicales son mucho más pulidas y firmes que en los álbumes anteriores. Las diversificaciones musicales están más unificadas con la estructura general de la canción. En particular, los solos de guitarra de Steve Hackett en "Firth Of Fifth" muestran su mejor momento de su destreza característica en la guitarra, mientras la canción se inicia con un piano clásico altamente estructurado de Tony Banks. Como en trabajos anteriores, patrones de tiempo inusuales, desplazamiento de notas y ritmos continúan como una clave estructural, y mientras estos aspectos formales no están menos presentes en este álbum, normalmente sirven para apoyar a las melodías de las canciones, más que dominarlas. De hecho, en general el álbum muestra un foco en la melodía como la fuerza unificadora de las canciones, en contraposición a tener un centro musical alrededor de la voz de Gabriel.

PERSONAL:
Peter Gabriel: Voz, Flauta, Oboe, Percusión.
Tony Banks: Piano, Melotrón, Sintetizador, Teclado, Guitarra de 12 Cuerdas.
Steve Hackett: Guitarra Eléctrica, Guitarra Acústica.
Mike Rutherford: Bajo, Guitarra Eléctrica, Guitarra de 12 Cuerdas, Coros.
Phil Collins: Batería, Percusión, Voz.

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 138 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 140 MB
Artwork: Completo, alta calidad

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ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR (2 partes)
Peso: 200 MB + 130 MB

Formato de audio: FLAC
Peso: 332 MB
Artwork: Completo, alta calidad

NUEVOS LINKS: POPOL VUH - HOSIANNA MANTRA (1972)

2009-06-04T20:58:00.000-07:00

Se han agregado nuevos links en lossless (FLAC) al disco: POPOL VUH - HOSIANNA MANTRA (1972). Edición remasterizada con un bonus track.

Pueden acceder al mismo haciendo click en el nombre. Recuerden que los links se encuentran en los comentarios.

NUEVOS LINKS: HOELDERLIN - HOELDERLIN'S TRAUM (1972)

2009-06-04T20:10:00.000-07:00

Se han agregado nuevos links en lossless (FLAC) al disco: HOELDERLIN - HOELDERLIN'S TRAUM (1972). Edición japonesa remasterizada del vinilo.

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NUEVOS LINKS: GENTLE GIANT - OCTOPUS (1972)

2009-06-04T09:43:00.001-07:00

Se han agregado nuevos links en lossless (FLAC) al disco: GENTLE GIANT - OCTOPUS (1972). Edición japonesa remasterizada del vinilo.

Pueden acceder al mismo haciendo click en el nombre. Recuerden que los links se encuentran en los comentarios.

NUEVOS LINKS: IL ROVESCIO DELLA MEDAGLIA - CONTAMINAZIONE (1973)

2009-05-31T15:20:00.000-07:00

Se han agregado nuevos links en lossless (FLAC) al disco: IL ROVESCIO DELLA MEDAGLIA - CONTAMINAZIONE (1973). Edición japonesa remasterizada del vinilo.

Pueden acceder al mismo haciendo click en el nombre. Recuerden que los links se encuentran en los comentarios.

FRANK ZAPPA - ONE SIZE FITS ALL (1975)

2009-05-28T20:06:00.000-07:00

Nombre: One Size Fits All
Banda: Frank Zappa & Mothers of Invention
Año: 1975
País: Estados Unidos
Sello: DiscReet Records

TRACKLIST:
01 Inca Roads [08:45]
02 Can't Afford No Shoes [02:38]
03 Sofa No. 1 [02:39]
04 Po-Jama People [07:39]
05 Floentine Pogen [05:27]
06 Evelyn, A Modified Dog [01:04]
07 San Ber'dino [05:57]
08 Andy [06:04]
09 Sofa No. 2 [02:41]

Tiempo total: 42:58

EL DISCO:
One Size Fits All, es un infaltable de la carrera de Zappa. Con una de las mejores formaciones de "The Mothers" incluye algunos de los temas más memorables de Frank. Temas como Inca Roads y Po-Jama People son ejemplos de la música de Zappa. Música compleja, alimentada de infinidad de estilos con una instrumentacion abundante y arreglos brillantes y con una pizca de humor, en definitiva una sintesis de su obra.
Ademas de las muy buenas composiciones, encontramos interpretaciones sublimes que son una muestra del talento de sus miembros, incluso del mismo Zappa con sus solos de guitarra. Con una orientación jazzrockera, tambien podemos encontrar temas un poco más clásicos pero siempre con el sello propio que identifica a toda su música. No hace falta decir mucho más, es una placa digna de varias escuchas y muy accesible para aquellos que se adentran a la música de este genio por primera vez. Hay que destacar que muchas partes del disco estan grabadas en vivo con sobregrabaciones en estudio, eso hace que las interpretaciones tengan una fluidez poco habitual en un disco grabado en vivo
Como dato a agregar hay que decir que en el disco participa uno de los ídolos de Frank: Jonnhy Guitar Watson, en los temas San Ber'dino y Andy.

Algo sobre las letras...
Como siempre, siempre hay sátira, humor y críticas en sus discos. Por ejemplo Inca Roads se refiere a las supuestas pistas de aterrizaje de OVNIs que hay por allá. Esos grandes dibujos que sólo se ven desde el aire. Zappa por supuesto hace una parodia del tema y se pregunta si aterrizó allí un oso de peluche gigante. También se pregunta dónde estacionó. Muchas veces las letras son demasiado bizarras, rayando lo absurdo (seguramente solo Zappa y/o los miembros del grupo saben a que se refieren). En Can't Afford no Shoes en una parte dice algo asi "...Fui a comprar detergente barato, una nación en vías de desarrollo me quitó el cargamento, me quitó el sapo que puse...". El tema Evelyn, a modified dog habla sobre una particular mascota, en los años 70 luego de un paseo en familia por el zoologico de Los Angeles, los Zappa se trajeron una cuerpospin hembra, a la que llamaron Evelyn, asi el título: Evelyn, un perro modificado cobra mucho sentido. Al parecer las tematicas y las liricas de sus temas tampoco escapan a su inagotable imaginación.

PERSONAL:
Frank Zappa : guitarras y voces
George Duke : teclados, sintetizadores y voces
Napoleon Murphy Brock : flautas, saxo tenor, voces
Chester Thompson : bateria
Tom Fowler : bajo
Ruth Underwood : vibrafono, marimba, percusion

Invitados:
James "Bird Legs" Youman : bajo
Johnny "Guitar" Watson : voz
Bloodshot Rollin' Red : harmonica

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 112,6 mb

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 115 MB
Artwork: completo, alta calidad

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ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR (2 parte)
Peso: 200 MB + 86 MB

Formato de audio: FLAC
Peso: 288 MB
Artwork: completo, alta calidad

CRUCIS - LOS DELIRIOS DEL MARISCAL (1976)

2009-05-14T17:48:00.000-07:00

Nombre: Los Delirios del Mariscal
Banda: Crucis
Año: 1976
País: Argentina
Sello:

TRACKLIST:
01 No Me Separen de Mi [06:06]
02 Los Delirios del Mariscal [10:10]
03 Pollo Frito [05:45]
04 Abismo Terrenal [12:30]

Tiempo Total: 34:31

EL DISCO:
Los Delirios del Mariscal es la segunda y última placa de Crucis, lamentablemente, luego de una gira por los Estados Unidos y la presentación del disco en el Luna Park, la banda se separa. Crucis es una mítica banda de rock progresivo sinfónico de la Argentina. Es una agrupación ícono del movimiento en ese país, incluso de latinoamerica y sus discos son aclamados por los seguidores del género de todo el mundo. En este disco, los temas son más largos y contienen buenas muestras del virtuosismo individual de sus miembros. Con una orientación más jazzera que en su trabajo anterior, demuestran claras influencias de grupos extranjeros, pero en su música se encuentra implícita algunas atmósferas propias de Argentina... es así que entre la estética de los sonidos progresivos pueden encontrarse cadencias tangueras y sintetizadores con aires de bandonéon. El baterista Farrugia (uruguayo), demuestra que domina su instrumento y que no es un mero acopañante, lamentablemente este año se suicido. Un discazo con todas las letras. Una definición en sí de rock progresivo

Algo de historia...
Crucis fue formada en agosto de 1974 por Gustavo Montesano (Guitarra y vocalista), José Luis Fernández (Bajo), Daniel Frenkel (Batería) y Daniel Oil (teclados). Cuando Fernández dejó la banda, Montesano pasó al bajo. Luego Marrone y Kerpel se unieron. En 1975 Daniel Frenkel dejó el grupo y Gonzalo Farrugia (quién venía de tocar en la banda Psiglo) lo reemplazó. Según una entrevista, Gustavo Montesano y Pino Marrone se encontraron con Farrugia en un colectivo y de ahí tomaron contacto para finalmente sumarlo al grupo.
Editaron dos álbumes, Crucis en 1976 y Los Delirios del Mariscal en 1977. Una de las características más destacables de la banda era que los temas registrados en sus discos eran grabados en vivo. La banda tuvo presentaciones existosas en los teatros del país y en Estados Unidos. Luego de volver de su gira por Norteamérica y tras una serie de conflictos personales entre ellos, decidieron separarse imprevistamente.
Los 4 integrantes de esta banda tenían una gran técnica y calidad musical. Por los años en que ellos tocaron lograron un gran sonido de estudio. Tuvieron producción en los Estados Unidos, algo impensado para un grupo latinoamericano de aquella época.

PERSONAL:
Gustavo Montesano: bajo y voz
Pino Marrone: guitarra
Aníbal Kerpel: teclados
Gonzalo Farrugia: batería

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 78,5 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 80 MB
Artwork: frontal

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ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR (2 parte)
Peso: 200 MB + 31,5 MB

Formato de audio: FLAC
Peso: 231 MB
Artwork: frontal

IL PAESE DEI BALOCCHI - IL PAESE DEI BALOCCHI (1972)

2009-04-22T20:01:00.000-07:00

Nombre: Il Paese dei Balocchi
Banda: Il Paese dei Balocchi
Año: 1972
País: Italia
Sello: King/Crime

TRACKLIST:
01 Il trionfo dell'egoismo, della violenza, della presunazione e dell'infifferenza (2:34)
02 Impotenza dell'umiltà della rassegnazione (4:09)
03 Canzone della speranza (3:55)
04 Evasione (7:40)
05 Hidden song (3:34)
05 Risveglio e visione del paese dei balocchi (4:40)
06 Ingresso e incontro con i Baloccanti (2:00)
07 Canzone della verità (0:45)
08 Narcisismo della perfezione (1:01)
09 Verità dell'intuizione fantastica (6:56)
10 Ritorno alla condizione umana (4:18)

Bonus tracks
11 Fantasia e poesia (3:30)
12 Amore per gioco (2:44)

Tiempo total: 44:43

EL DISCO:
Este disco de 1972, es uno de esos que hay que escuchar de principio a fin, y dedicarle nuestras atención al cien por ciento, ya que si se lo escucha mientras hacemos otras cosas, como la mayoría de nosotros estamos acostumbrados por cuestiones de tiempo, el sentido de su música se pierde. Es por eso que muchos críticos excluyendo las razones subjetivas, consideran a este disco uno más del monton. Si bien es cierto que es una placa con espacios de transición muy grande entre ideas musicales distintas, estos grandes espacios en vez de generar una dinámica lenta, en mi opinión sirven para engancharnos de lleno en los ambientes generados. El disco cuenta con una peculiar oscuridad, extraña para bandas italianas. Su sonido a veces esta cercano al space, pero a diferencias de bandas de este estilo como las alemanas, Il Paese dei Balocchi utiliza menos capas de efectos e instrumentos para generar este ambiente, por lo contrario la instrumentación es mas austera y delicada, lo que le da un ambiente mas desolador y misterioso y se priorizan las melodías.
Los paisajes musicales, pueden ser descriptos con una analogía: a mi personalmente me da la impresión de esos juegos mecánicos de terror donde uno esta en un coche y se pasea por distintas escenas. Estos cuadros mezclan elementos naif, que combinados a otros pequeños detalles, en vez de transmitir inocencia, transmiten cierto elemento terrorifico y misterioso, como cuando se usan payasos y muñecos infantiles en función al terror. (mas tarde descubri que la traduccion del nombre del disco es: "El Pais de los Juguetes", lo que me termino de cerrar esta vision.
Los pasajes donde intervienen las cuerdas son de una enorme belleza y emotividad, al igual de las pequeñas incursiones de la voz. Asi tambien hay secciones donde aparecen unos coros, empleados con mucha eficacia y que hasta recuerdan a los hermosos fondos de Dark Side of the Moon, disco que se publicaria un año después que este.
Otra de las virtudes que encuentro en este trabajo, es la calidad del sonido en general. Hace mucho que no encuentro un disco de la época que tenga un trabajo de grabación y masterización tan bueno como este. Todo esto sumado a una delicada elección de arreglos y sonidos hacen de este un trabajo super fino y pensado. Un bombon suizo del más rico chocolate.

Este disco como veran a mi me encanto, sean ustedes quienes juzguen. Yo creo que le gustara a todos aquellos que le gustan los arreglos orquestales y los trabajos climaticos. Para otros este disco parecera depresivo, lento y difícil de descifrar y pasara sin penas ni gloria. Pero no dejen de probarlo porque pueden estar dentro del primer grupo.

PERSONAL:
Fabio Fabiani: guitarras
Sanaro Laudadio: voz, bateria
Marcello Martorelli: bajo
Armando Paone : voces, teclados

Lamentablemente no hay datos acerca de la pequeña orquesta que participa.

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 105 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 109 MB
Artwork: Completo, alta calidad

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Servidor: Rapidshare
Formato: RAR (2 partes)
Peso: 200 MB + 39 MB

Formato de audio: FLAC, level 5
Peso: 240,6 MB
Artwork: Completo, alta calidad

GENTLE GIANT - OCTOPUS (1972)

2009-04-02T10:11:00.000-07:00

Nombre: Octopus
Banda: Gentle Giant
Año: 1972
País: Reino Unido
Sello: Vertigo

TRACKLIST:
01 The Advent Of Panurge [04:45]
02 Raconteur Troubadour [04:03]
03 A Cry For Everyone [04:06]
04 Knots [04:11]
05 The Boys In The Band [04:34]
06 Dog's Life [03:13]
07 Think Of Me With Kindness [03:31]
08 River [05:52]

Tiempo total: 34:15

EL DISCO:
Octopus es considerado una de las obras magnas del rock progresivo de todos los tiempos. Esta placa es un clásico induscutible, un ícono del progresivo. Gentle Giant logra una conjunción de épocas y estilos verdaderamente única. Con un crisol de instrumentos del rock e instrumentos del folklore clásico inglés, como de la música clásica, el gigante gentil es una mixtura del medioevo y el presente, con una especie de sensibilidad pop. Las harmonias de voces y las complejas estructuras rítmicas estan perfectamente empleadas con buen gusto y sensatez, descartando de lleno cualquier similitud con intentos musicales similares, que se pierden en si mismo por presentar complejidad. En Cry for Everyone, vemos el potencial rockero, demostrando una agrupacion polifacetica. Ademas del buen gusto musical, y de una verdadera mixtura de melodias juglarezcas, fugas y rock, otro acierto demtrp de Octopus, es el equilibrio de su instrumentación. Violines, guitarras eléctricas y sonidos sintéticos conviven en perfecta armonía en función a grandiosas composiciones. Un disco muy bueno, parejo y de bases muy sólidas. Indiscutible el lugar que se gano entre discos de las grandes bandas.

Breve biografía del "gigante gentil".
Los integrantes eran el guitarra, bajo y voz Derek Shulman (nacido el 11 de febrero de 1947 en Glasgow, Escocia), el bajo, voz y violín Ray Shulman (nacido el 3 de diciembre de 1949 en Hampshire), el guitarra Gary Green, el saxo Phil Shulman (nacido el 27 de agosto de 1937 en Glasgow, Escocia), los teclados Kerry Minnear (nacido el 2 de enero de 1948 en Dorset) y el batería Martin Smith.
Tras grabar algunos sencillos en la época dorada de la psicodelia tendieron hacia el sonido progresivo en el estupendo Lp debut "Gentle Giant" (1970), un disco producido por Tony Visconti.
Después de este album, grabaron "Acquiring the taste" (1971), otro destacado trabajo, al igual que "Three Friends" (1972), que presentaba a Malcolm Mortimore a la batería.
Estos tres primeros e importantes vinilos fueron seguidos por "Octopus" (1973), en el que cambiarían de nuevo de miembro en las baquetas, ocupando el puesto en la batería el galés John Weathers.
Después de la publicación de este disco se produjeron las primeras deserciones de peso. Uno de los hermanos Shulman, Phil, abandonó la formación para dedicarse a la enseñanza.
"In a glass house" (1974), "The Power and the glory" (1975) y "Free Hand" (1976), un Lp que consiguió bastante éxito en listas, fueron los siguientes trabajos de la banda que prorrogaron triunfalmente su peculiar sonoridad.
"Interview" (1977) fue peor recibido, al igual que "Playing the fool" (1978).
Su sonido varió entonces hacia posturas más pop, con la finalidad de conseguir una mayor aceptación comercial.
Al no lograr los resultados deseados, Gentle Giant se separaron en 1980, destacando posteriormente el trabajo de Ray Shulman como productor, colaborando con grupos como Sugarcubes o The Sundays.

PERSONAL:
Derek Shulman : voz, saxo tenor
Phil Shulman : saxo, trompeta, mellotron, voz
Ray Shulman : bajo, violín, guitarra, voz
Kerry Minnear : teclados, vibráfono, percusión, cello, moog, voz
Gary Green : guitarra, percusión
John Weathers : batería, percusión

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 68,7 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 81,5 MB
Artwork: Completo, alta calidad (versiones vertigo y columbia)

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REMASTERIZACION JAPONESA (2008)
Fiel al viniloARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR (2 partes)
Peso: 200 MB + 28 MB

Formato de audio: FLAC
Peso: 227 MB
Artwork: Completo, alta calidad

ARCO IRIS - LOS ELEMENTALES (1977)

2009-03-24T16:04:00.000-07:00

Nombre: Los Elementales
Banda: Arco Iris
Año: 1977
País: Argentina
Sello: Cabal

ESTRUCTURA:
A. Elemental de Tierra
01 Gob (Maestro-Mago de los Gnomos)
02 Destilando el Perfume de los Minerales
B. Elemental de Fuego
01 Cristalizando los Rayos del Sol
02 Djin (Maestro-Mago de las Salamandras)
C.Elemental de Agua
01 Despertar de los Hijos de la Mañana
02 Necksa (Maestro-Mago de las Ondinas)
D.Elemental del Aire
01 Los Nacidos del Viento
02 Paralda (Maestro-Mago de los Silfos)

TRACKLIST:
01 Gob [06:00]
02 Destilando el Perfume de los Minerales [05:00]
03 Cristalizando los Rayos del Sol [04:28]
04 Djin [01:09]
05 Despertar de los Hijos de la Mañana [03:47]
06 Necksa [08:09]
07 Los Nacidos del Viento [03:59]
08 Paralda [08:11]

Tiempo total: 40:43

EL DISCO:
Arco Iris fue uno de los pilares de los inicios del rock de Argentina, pero a diferencia de Almendra, Vox Dei, o Los Gatos, esta banda enfoco su música hacia una verdadera fusión de rock y ritmos latinoamericanos, sobre todo el folklore argentino.
En este disco ya sin la presencia de Gustavo Santaolalla, quien fue uno de los lideres musicales del grupo, se centra mas en un rock fusión, muy cercano al jazz. Los ritmos galopamentes y a veces frenéticos de la batería y la percusion, lo acercan aun más a un timido freejazz.
En contraposición a los sonidos acústicos del piano y los vientos, aparecen filosos sonidos de sintetizador y guitarras electricas muy bien empleados en complemento. Entre medio de esta fusión, podemos encontrar algunos vestigios baladezcos que no empobrecen para nada al disco como conjunto. Luego de grabar este disco, la banda emigraría a EEUU, para rodearse de grandes leyendas del jazz con las que compartieron escenarios.

Pequeña biografía del grupo
Gustavo Santaolalla intentaba infructuosamente conseguir algún contrato para su banda, "The Crows", hasta que dio con Ricardo Kleiman, quien le aconseja cantar en castellano. Así, cambio de nombre de por medio, Arco Iris entra en un estudio.
Con el tema "Blues de Dana" ganan en el Festival Beat de la Canción Internacional que se realiza en Mar del Plata en 1970. Con el nombre de esa canción, RCA saca un disco recopilación de los simples editados hasta ese momento, casi simultáneamente con la aparición del primer LP de la banda ("Arco Iris", 1970).
"Mañanas campestres" (1972) es el siguiente éxito, que inicia la tendencia folklórica que quedaría marcada con el LP "Tiempo de resurrección" (1972) y, sobretodo, con la ópera "Sudamérica, o el regreso a la Aurora" (1972).
Este estilo autóctono persiste en "Inti-Raymi" (1973), pero se abandona completamente en "Agitor Lucens V" (1974), una obra conceptual de corte sinfónico que logró gran éxito.
En 1975 Santaolalla deja la banda. Sin su líder, convocan a Ignacio Elisavetsky (guitarra) y a Mario Cortez (teclados). Editan "Los elementales" (1977) y luego emigran a Estados Unidos, donde tocan como acompañantes de Herbie Hancock, Lalo Schifrin y Chester Thompson, entre otros. Con una fusión de rock latino con jazz grabaron dos discos: "Cóndor" (1980) y "El faisán azul" (1981). Este último fue editado en Argentina en 1986 y fue presentado en vivo en la discoteca Paladium.
Ara y Dana Tokatlián continuaron su carrera con otros tres álbumes editados en norteamérica: "Peace pipes", "In Memoriam" y "Peace will save the Rainbow".

Extraido de www.rock.com.ar

PERSONAL:
Ara Tokatlian : Saxos, flautas, mini moog, sintetizadores, piano y voces
Guillermo Bodarampe : Bajo, guitarra acústica y voces
Ignacio Elisavetsky : Guitarras y voces
Jose Luis Perez : Batería, percusion y voces
Dana : Voces

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 90,5 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 93,9 MB
Artwork: Frontal, alta calidad

HAX CEL - ZWAI (1972)

2009-03-22T14:57:00.000-07:00

Nombre: Zwai
Banda: Hax Cel
Año: 1972
País: Alemania
Sello:

TRACKLIST:
01 Albinoni [04:15]
02 A Second Time [03:06]
03 Music [05:28]
04 Julius Caesar [04:40]
05 Bouree [01:16]
06 Marsch [05:18]
07 Land of Dreams [05:05]
08 To Barbara [07:25]
09 Andante [00:50]
10 Albinoni [03:20]
11 Difference [03:08]

EL DISCO:
Hax Cel, es una agrupación que cultiva una música que mezcla en partes iguales, rock y música académica. Prescindiendo de una guitarra, los teclados y la flauta van al frente marcando claramente lo que puede ser fácilmente denominado rock barroco. La banda originaria de Hanover, estuvo activa un período muy breve de tiempo entre los años 1971 y 1972, esta placa esta grabada en vivo durante su última gira. El uso del clave termina de cerrar la idea de esta fusión, además de incluir dos obras de Handel en su repertorio. De clima suave en general, la música de Zwai, mantiene las estructuras convencionales de la música académica, con alguna que otra aventura de la sección rítmica. Claramente la originalidad, ni el factor sorpresa son los fuertes de este banda, pero si lo son unas interpretacion técnicas muy limpias, donde todos los engranajes estan bien aceitados, dando un resultado final muy prolijo. Hay que recordar que el material de este disco esta grabado en vivo. En definitiva esta placa esta dirigida a todos aquellos que gustan de los sonidos clásicos del clave, piano y flauta y de las interpretaciones impecables.

PERSONAL:
Dieter Neumann : Flauta, Voces
Achim Neubauer : Teclados
Michael Moebus : Bajo, Voces
Rainer Greffrath : Batería

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 154 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 166 MB
Artwork: Completo, alta calidad

ASIA MINOR - BETWEEN FLESH AND DIVINE (1981)

2009-03-12T10:22:00.000-07:00

Nombre: Between Flesh & Divine
Banda: Asia Minor
Año: 1981
País: Turquía
Sello: Musea Records

TRACKLIST:
01 Nightwind
02 Northern Lights
03 Boundless
04 Dedicace
05 Lost in a Dream Yell
06 Dreadful Memories

EL DISCO:

Asia Minor es un grupo originalmente formado en Turquía a fines de los 70. Ante las escasas oportunidades de difundir su música en su país natal, deciden mudarse a Francia, donde el sello Musea no duda en editar su música. Cargados de influencias étnicas propias de su zona, sumado a ciertos aires de bandas como Camel, Pink Floyd, King Crimson y con la flauta, los teclados y guitarras a la cabeza, conforman el sonido de Asia Minor, que es de unos tonos mas bien oscuros, pero llenos de fluidez y brillo propio.
La banda estaba pensada originalmente como un super trío, pero no lograban cargar con las atmosferas deseadas su música, por lo que decidieron incorporar un tecladista más. El resultado es bien parejo, con un disco muy bueno lleno de pasajes instrumentales con cierto misticismo, incluso romanticisimo, con preciosos arreglos de flauta sumado a la peculiar voz de Bakirel, una voz acostumbrada al turco, que carga las letras en inglés con una magia especial con su acento tosco.

Los ochenta y las nuevas tecnologías
Un album muy sólido para aquellos amantes del progresivo sinfónico, con algunas guitarras agresivas, apoyadas en colchones del melotrón y unas mas que convincentes flautas, es la idea general de Beetween Flesh and Divine. Este es un disco con valor especial para mí, ya que fue uno de los primeros discos que escuche del género, que me animo a internarme más profundamente a buscar similares, dandome a conocer nuevos bodrios y nuevas maravillas. Paso un tiempo largo hasta que lo volvi a escuchar y me lleno nuevamente con su magia. Claramente uno de los mejores albumes de la más que floja década de los ochenta. Según mi opinión, creo que todos los músicos de la época se dejaron seducir por las nuevas tecnologías y dejaron de lado el muy importante aspecto compositivo, para preocuparse mucho más por la forma, más que por el contenido. Es así que muchas bandas geniales, vieron su calidad caer muchisimo, cargando sus temas con capas y capas de efectos y sintetizadores, a veces llegando al mal gusto. Este y otros albumes como los de Happy the Man, logran un equilibrio que no satura al oyente con los "nuevos sonidos sintéticos", es más muchas veces los emplean con mucha sensatez para lograr climas que sin ellos serían imposible. En síntesis, para mí un album infaltable en toda colección progresiva. Una joya en una época oscura.

Como nota aparte debo mencionar que cometi un error al subir el archivo, en la carpeta el nombre del disco figura como Asia Minor, esto es un error el disco se llama Between Flash & Divine.

PERSONAL:
Setrak Bakirel : voz, guitarras, bajo
Lionel Beltrami : batería, percusión
Robert Kempler : teclados, bajo
Eril Tekeli : guitarras, flauta

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 79,2 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 79,4 MB
Artwork: Completo, alta calidad

EMBRYO - STEIG AUS (1973)

2009-02-18T13:25:00.000-08:00

Nombre: Steig Aus
Banda: Embryo
Año: 1973
País: Alemania
Sello: Metronome Brain

TRACKLIST:
01 Radio Marrakesch/Orient-Express [09:53]
02 Dreaming Girls [10:26]
03 Call [17:22]
A. Call (parte 1)
B. Organ Walk
C. Marimba Village
D. Clouds
E. Call (parte 2)

Tiempo total: 37:41

EL DISCO:
Embryo nos presenta una fusión muy clásica de la época, entre rock y jazz y algunos otros tintes. Steig Aus una de sus placas mas celebrada del grupo, que nos recuerda a veces a la energía de bandas de jazz fusión como Mahavishnu Orchestra y Eleventh House, aunque más anclado sobre las bases rockeras. Los intrumentos exprimen todo su potencial en una gran sopa donde cada uno improvisa a gran velocidad sobre la base, sin hacer de esto una mezcla desprolija, por el contrario fluye con gran naturalidad. Todos sus músicos son muy virtuosos y acompañan muy bien las composiciones, que por veces recuerdan a lo hecho por Miles Davis, con sus ritmos trance en Bitches Brew, todo esto dirigido a una senda mas cercana al rock como dije antes. La presencia del violín y cercanías a la World Music nos recuerdan aún más a la Mahavishnu, pero no confundamos similitud con copia, ya que Embryo cuenta con una identidad propia, un poco más burlona dentro de su misma oscuridad. Esta personalidad la podemos encontrar escuchando Dreaming Girls, en mi opinión el mejor tema del disco que explota todo el sentimentalismo oriental y los cambios de dirección. Un disco que es muy fácil de escuchar, que no contiene ningún pasaje que pueda llegar a aburrir.

Rock, jazz y música del mundo…
Embryo nace a finales de los 60, como idea del tecladista de R&B y jazz Christian Burchard. La banda se arma en la escena local de Munich, pero el interés de sus integrantes por contactar nuevas culturas, los lleva de viaje al norte de Africa y al Medio Oriente.
De estos viajes toman nuevas texturas autóctonas y las vuelven suyas, y se refleja claramente en su música, una mezcla de jazz, rock y world music. En una constante búsqueda de nuevos sonidos, la banda contó con innumerables músicos invitados de todas partes del mundo a lo largo de su extensa discografía, donde recorren un amplio espectro de estilos siempre enmarcados en sus principales influencias.
La clave para la grabación de Steig Aus, fue un viaje que realizaron el año anterior. En mayo de 1972 la banda fue invitada por el instituto Goethe para realizar un tour de 4 semanas a través del norte de África y Portugal. Pero a causa de sus melenas no les dejaron actuar: las autoridades les recomendaron que fuesen al peluquero; por lo tanto, el grupo llamó al consulado donde les dieron vía libre para su debut. Al final Christian Burchard y los otros componentes se presentaron ante el público como siempre. Según Burchard: "Fue como estar en otro planeta”…

PERSONAL:
Roman Bunka : guitarra
Christian Burchard : batería, marimba, vibráfono
Jörg Evers : bajo
Edgar Hoffmann : violín
Jimmy Jackson : Mellotron, órgano
Dave King : bajo
Mal Waldron : piano eléctrico

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 99 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 100 MB Artwork: Completo (alta calidad)

KING CRIMSON - ISLANDS (1971)

2009-02-02T09:58:00.000-08:00

Nombre: Islands
Banda: King Crimson
Año: 1972
País: Reino Unido, Inglaterra
Sello: Virgin Records

TRACKLIST:
01 Formentera Lady [10:14]
02 Sailor's Tale [07:21]
03 The Letters [04:26]
04 Ladies Of The Road [05:28]
05 Prelude: Song Of The Gulls [04:14]
06 Islands [11:51]

Tiempo total: 43:34

EL DISCO:
Luego del complejo Lizard de una instrumentacion pomposa llena de vientos, Fripp siguio explorando la faceta sinfónica, antes de llegar a la crudeza del sonido más característico del sonido crimsoniano. Para ello esta vez convoca músicos que se encarguen de la sección de cuerdas, lo que le da a Islands distintas texturas, que el mellotron no puede aportar.
Es muy curioso lo que ocurre con esta placa del año 71, divide mucho las aguas. En una orilla se agrupan fánaticos del sonido logrado por Islands, y en la otra sus detractores, que dicen que es uno de los peores sino el peor disco del rey carmesí, utilizando la palabra aburrimiento como principal arma para destrozar con la crítica esta placa. Parace generar tantos elogios como críticas escapando así a cualquier punto gris medio.
Antes de continuar debo poner en claro que yo me encuentro en la playa de los que festejan este disco y que puedo aceptar los gustos personales de cada uno, pero me resisto a que este disco sea considerado malo.
Islands, es un disco que transforma el sentimiento de soledad en algo grato, sus texturas son muy ricas por lo que la complejidad de sus composiciones no necesitan ser demasiado enmarañadas. Esto se debe principalmente al agregado de varios instrumentos nuevos y una instrumentación mucho mas sinfónica, sobre todo en el tema homónimo.
Sailor's Tale anticipa lo que iba a ser la banda en los años siguientes, sobre todo por la guitarra quejosa y cruda de Fripp contrasta con el casi mistico tema inicial Fomentera Lady donde una soprano nos hace entrar en un espiral, del cual cuesta liberarse fácilmente, pero estamos felices de caer atrapados. The Letters es tal vez el punto mas bajo del disco, pero es una meseta que trae un poco de estabilidad después del frénetico Sailor's Tale. Luego aparece Ladies of the Road, un tema que recuerda a las harmonias de voces muy utilizadas por los Beatles, con un inmenso Collins al saxo. Un giro totalmente inesperado es Prelude: Song of the Gulls con un lirismo totalmente inesperado en Robert Fripp, que compone esta pequeña pieza para cuerdas, muy cercana a la música clásica y barroca, demostrando sus múltiples formas de abordar su música. Islands es el broche de oro, un tema extenso suave que nos transporta a donde queramos dentro de la inmensidad de nuestra galaxia interior.

El contexto crimsioniano.
Borron y cuenta nueva, nuevamente muchos se van y vienen otros, de las formaciones anteriores prevalesce Fripp y Seinfield ayudando en algunos conceptos y las letras. Se suman Burrell y Wallace y Mel Collins a estas alturas ya se habia ganado un lugar en la formación estable. Sus presentaciones en vivo tenian una fuerza increible que contrasta con su trabajo en el estudio de grabación. Eso se debe principalmente a la incorporación de instrumentos "más dulces" para acompañar el concepto del disco, como el piano (Tippet), el oboe (Miller) y una cantante soprano (Paulina Lucas)

PERSONAL:
Robert Fripp : guitarras, mellotron, Harmonium and efectos
Mel Collins : flauta, flauta baja, saxos y voces
Boz Burrell: bajo y voz
Ian Wallace : batería, percusión y voces
Peter Sinfield : letras y escenografía

Keith Tippet : piano
Paulina Lucas : soprano
Robin Miller : oboe
Mark Charig : corneta
Harry Miller : contrabajo

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 91 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 98 MB aprox
Artwork: Completo, alta calidad

POPOL VUH - HOSIANNA MANTRA (1972)

2008-12-30T10:39:00.000-08:00

Nombre: Hosiana Mantra
Banda: Popol Vuh
Año: 1972
País: Alemania
Sello: Pilz

TRACKLIST:
01 Ah! [04:49]
02 Kyrie [05:27]
03 Hosianna Mantra [10:22]
04 Abschied [03:19]
05 Segnung [06:13]
06 Andacht [00:46]
07 Nicht Hoch Im Himmel [06:23]
08 Andacht [00:44]

Tiempo total: 38:03

EL DISCO:
Esta vez, Florian Fricke y sus músicos aliados de turno, abandonan la faceta más eléctronica que la que el grupo llego a boca de todos, y se centro un sonidos más acústicos y órganicos. Asi nace Hosianna Mantra, una placa hermosa cargada de espiritualidad, pacífica y llena de encanto. Esta vez Popol Vuh, logra ambientizarnos en una fusion cristiano-oriental-cósmica, con una labor hermosa en las voces a cargo de Djong Yung. La labor del piano en reemplazo al clásico Moog de Fricke, de un ocasional oboe y violin, sumado a varios instrumentos típicos de la música de oriente, dan un caracter super íntimo y reflexivo, dejando de lado el clásico gusto por la tension de los grupos de Krautrock en general.
Florian Fricke introdujo mucho de la musica electronica a alemania, fue de los primeros músicos de ese pais en poseer un enorme Moog y en base a los paisajes musicales creados por este instrumneto dio vida a su proyecto muscial Popol Vuh, el grupo se convertiria en punta de lanza de la musica electronica en aquel pais, sus paisajes sonoros alucinantes llamaron poderosamente la atencion de otro increible paisajista, Werner Herzog, quien usaria la musica de los Popol Vuh para sus extraordinarias peliculas, pero Fricke era un musico inconformista y luego de halalrse en la cima musical, abandono la electronica, para abrzar sonidos acusticos organicos de increible espiritualidad, lo cual dejo constatado en este maravillosos disco, Hosianna Mantra funciona como un encuentro entre la espiritualidad oriental y la espiritualidad cristiana, una extraña y extravagante misa donde dios se manifiesta a traves de la musica.

Popol Vuh...
El grupo lo forma Florian Fricke en 1969 con la idea de hacer un grupo de música vanguardista, y toman su nombre del "Libro De Los Muertos" de la cultura Maya. Su música fue creada con la intención de las influencias musicales ancestrales de esta cultura milenaria, añadiendo elementos de la India, así como una filosofía oriental y fundamentada en los Tantras, lo que los convirtió en toda una escuela místico cósmico musical. Popol Vuh produce sonidos esotéricos, hipnóticos, sombríos, con el uso frecuente de frases musicales en forma de mantras.

PERSONAL:
Florian Fricke : piano, clave
Conny Veit : guitarra
Robert Eliscu : oboe
Djong Yun : voz
Klaus Wiese : tambura
Fritz Sonnleitner : violin

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 89,4 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 87,3 MB
Artwork: Completo, alta calidad

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REMASTERIZACION SPV (2004)

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR (2 partes)
Peso: 200 MB + 35 MB

Formato de audio: FLAC
Peso: 236 MB
Artwork: Completo, alta calidad

APHRODITE'S CHILD - 666 (1971)

2008-12-19T11:58:00.000-08:00

Nombre: 666
Banda: Aphrodite's Child
Año: 1971
País: Grecia
Sello:

TRACKLIST:
DISCO UNO
01 The system [00:23]
02 Babylon [02:51]
03 Loud, loud, loud [02:37]
04 The four horsemen [05:57]
05 The lamb [04:34]
06 The seventh seal [01:30]
07 Aegian sea [05:25]
08 Seven bowls [01:25]
09 The wakening beast [01:07]
10 Lament [2:55]
11 The marching beast [02:00]
12 The battle of the locusts [00:56]
13 Do it [01:45]
14 Tribulation [00:32]
15 The beast [02:33]
16 Ofis [00:17]

DISCO DOS
01 Seven trumpets [00:30]
02 Altamont [04:45]
03 The wedding of the lamb [03:35]
04 The capture of the beast [02:15]
05 "Infinity" [05:16]
06 Hic et nunc [03:00]
07 All the seats were occupied [19:27]
08 Break [02:55]

Tiempo total: 88:28

EL DISCO:
Disco conceptual doble, algo no muy usual allá por principios de los 70. No es el mejor album conceptual que ha existido, pero es una placa doble que da gusto escuchar, con sus distintas mixturas y variedad, estilistica, ritmica y melodica. 666, tiene restos del pasado beat-pop, de la banda, pero sumado a una experimentación más grande, música propia del meditarraneo, psicodelia y una instrumentación pomposa, lo que hace considerar al disco dentro de los parametros progresivos. Sin embargo, posee una gran cuota rockera, y unos muy interesantes solos de guitarra que lo demuestran. La principal virtud de esta obra, se basa en la variedad de formas muy ricas a lo largo de la obra, donde vemos asomarse lo que serían las bases de la música New Age que cultivaria provechosamente el famoso tecladista greigo de esta banda. Algunas bases corales, casi tribales, instrumentos étnicos y un arsenal de percusiones y músicos invitados rellenan el disco con una gran calidad, a veces este relleno se hace extenso para mi gusto, pero hay que tener en cuenta que es muy dificil hacer un album doble, y quitando lo que digo quedaria un trabajo muy largo para un solo LP y muy corto para dos. Pero en fín. Psicodelia, música del mediterraneo, rock, beat, experimentación y unas voces elogiables conjugan una obra que no puede pasar desapercibida. Una obra ícono del rock griego.

El concepto.
El album como sugiere el nombre, tiene una relación satánica. El mismo esta basado en unos escritos de Costas Ferris, que a su vez esta basado en el libro de las revelaciones de la Biblia. una gran Compañía de circo está ofreciendo un gran Espactáculo basado en el Apocalipsis. Durante un show, mientras los efectos de luz y sonido alcanzan su clímax, algo empieza a suceder fuera de la carpa del circo, el verdadero Juicio Final, ejecutado por Dios mismo. La audiencia cree que que lo que sucede afuera es parte del espectáculo, pero el Maestro de Ceremonias, que sabe que algo extraño está sucediendo, se pone histérico. Al final, la carpa de circo desaparece y la realidad se funde con la ficción, en medio de una gran batalla entre el Bien y el Mal.
Se dicen muchas cosas acerca de este album, que los miembros del grupo y todos los músicos invitados pertenecían a un secta satánica, algo muy de moda por aquellos años, que durante la grabacion del disco estaban bajo los efectos de un coctel de drogas inventado por ellos mismos, lo cierto es que este disco creo muchas fricciones dentro del grupo y termino por desintegrarlo, dejando las puertas abiertas a sus miembros para unas exitosas carreras solistas.

El grupo.
Aphrodite's Child fue un grupo griego de rock progresivo formado en 1967 por Vangelis Papathanassiou (teclados); Demis Roussos (bajo y voces), Loukas Sideras (percusión y voces), y Anargyros "Silver" Koulouris (guitarra). Papathanassiou y Roussos habían tenido éxito previamente en Grecia (en las bandas Formynx y Idols respectivamente) cuando se juntaron con Sideras y Koulouris para formar una nueva banda. Su primera grabación como grupo fue en el disco de George Romanos In concert and in Studio, en el que tocaron cuatro canciones bajo el nombre de "Vangelis and his orchestra". En el mismo año grabaron una maqueta con dos canciones que fue enviada a Philips Records.

PERSONAL:
Evengelio Odyssey Papathanassiou (VANGELIS) : teclados, flauta, percusion, vibes, coros
Artemios Ventouris Roussos (Demis Roussos) : bajo, voz y coros
Lucas Sideras : bateria, voz y coros

Harris Chalkitis : bajo, saxo, congas coros
Irene Papas : voces (2:5)
Michel Ripoche : trombon. saxo (1:2 & 2:6)
Yannis Tsarouchis : texto griego
John Forst : narrador

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: (83,7)+(93,3) 2 archivos

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 178, MB
Artwork: Completo, alta calidad

RAINBOW THEATRE - FANTASY OF HORSES (1976)

2008-12-08T07:33:00.000-08:00

Nombre: Fantasy of Horses
Banda: Rainbow Theatre
Año: 1976
País: Australia
Sello:

ESTRUCTURA:
1. Rebecca [03:05]
2. Dancer [11:08]
A. Straicase
B. The Big Time
C. Spin
D. Theatre
E. Farewell
3. Caption for the City Night Life [04:21]
4. Fantasy of horses [16:23]
A. Early Light
B. Frolic
C. Trappers
D. Captives
E. Frolic
F. Escape
G. Cliff edge

TRACKLIST:
01 Rebecca [03:05]
02 Dancer [11:08]
03 Caption for the City Night Life [04:21]
04 Fantasy of Horses [16:23]

Tiempo total: 35:07

EL DISCO:
Rainbow Theatre tiene una propuesta muy original. Esta banda perteneciente a Melbourne, Australia crean una amalgama musical muy pintoresca, cuyos principales condimentos son el rock progresivo, el jazz y la música clásica (sobre todo la opera). Con un arsenal de vientos por momentos frenéticos, y en otros tibios, pero perfectamente complentando a un suave piano, y a la voz de Keith Hoban. Como lo indica su nombre, la teatralidad esta muy presente en Rainbow Theatre, el disco en si parece una banda sonora de este género. Si bien hay una incursión en el jazz de vanguardia, prevalesce la opera como tronco principal en sus influencias, y sumado a los bronces adquiere unos tintes hispánicos muy prominentes. Las baladas muy bien logradas donde canta Keith Hoban acompañado del piano son la contracara de la fuerza en general de Fantasy of Horses. En definitiva, un disco lleno de vientos, opera, teatralidad muy bien logrado.

Algo sobre Rainbow Theatre.
Esta banda Australiana, es bien conocida por sus vinculos musicales con la opera y el teatro, esto se debe a que Keith Hoban un tenor perteneciente a una compañia de opera, junta varios musicos y cantantes de distintos registros de la compañia donde trabaja (Victorian Opera Company) y se une a un bajista,Ferg McKinnon, y a un baterista, Graeme Carter, ambos del ambiente del rock con la idea de plasmar su fascinación por las bandas sonoras de "Broadway". Asi surge este proyecto que da a la luz su primer disco en 1975, un disco llamado "The Armada". Este su segundo discos es similar pero su musica parte de otro concepto. La poca difusion de la banda hizo que esta desaparezca, hace unos años una discográfica japonesa, reedito ambos trabajos de forma ilegal y hoy gracias a internet esta accesible a todo un nuevo público que le da el reconocimiento que se merecen.

PERSONAL:
Ferg McKinnon : bajo
Graeme Carter : bateria, tympani, gongs
Steven Nash : saxo, clarinete, flauta
Frank Graham : trompeta, corneta, Oboe
Don Santin : trombón
Keith Hoban: voz (tenor)

Victorian Opera Company Choir:
Pauline Ashleigh : voces (alto)
Julian Browning : guitarra, Mellotron
Peter Cox : voces (bajo)
Matthew Cozens : piano, organo
Helen Grad : voces (soprano)
Helen Modra : voces(alto)
Barry Skelton : voces (tenor)
Sue Twigg : voces (soprano)
Evan Zachariah : voces (bajo)

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 76,2 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 80,4 MB
Artwork: frontal

HAPPY THE MAN - HAPPY THE MAN (1977)

2008-11-29T10:35:00.000-08:00

Nombre: ST
Banda: Happy the Man
Año: 1977
País: Estados Unidos
Sello: InsideOut Music

TRACKLIST:
01 Starborne [04:22]
02 Stumpy Meets the Firecracker in Stencil Forest [04:16]
03 Upon the Rainbow (Befrost) [04:42]
04 Mr. Mirror's Reflection on Dreams [08:54]
05 Carousel [04:06]
06 Knee Bitten Nymphs in Limbo [05:22]
07 On Time as a Helix of Precious Laughs [05:22]
08 Hidden Moods [03:41]
9. New York Dream Suite [08:32]

Tiempo total: 49:30

EL DISCO:
Happy the man, es una joya en la época de apogeo del género. Como todas las bandas, cercanas a los 80 se vieron tentados por las nuevas tecnologías, y los nuevos sonidos, pero creo yo, que utilizan con moderación y muy acertadamente estos nuevos recursos. En este disco encontramos muchos sintetizadores creando texturas, y muchas veces un piano acústico que le da contorno a estas mismas. Los arreglos son hermosos y consagran al sonido de la banda, suena todo muy compacto y trabajado. Esta placa homónima, tiene sus partes sinfónicas, como sus acercamientos al jazz y al rock en general. Los vientos entran en el momento justo y suelen ser el acompañamiento justo para marcar las rítmicas. Por momentos me hace recordar a la banda Gentle Giant en su estética, en temas como Stumpy Meets the Firecracker in Stencil Forest. En Upon the Rainbow a diferencia del resto del disco, entra una voz y la verdad que al escuchar el tema, me pregunto porque no decidieron incluirla en alguna otra pieza, porque verdaderamente le agrega mucha actitud. Un disco muy parejo de rock progresivo ecléctico y sinfónico, en una etapa de transición, que ya se ha convertido en un clásico y punto de inflexión. De lo mejor de Estados Unidos.

Happy the Man, es una banda norteamericana, muy influenciada por el progresivo británico de bandas como Yes, Gentle Giant y sobre todo Genesis, se puedem escuchar las fuertes influencias en sus discos. Graban dos discos en la década del '70, y por su éxito fuera de tiempo, en 1990 salen nuevas grabaciones de material grabado en vivo y material inedito de las misma época, a finales de esa década se vuelven a juntar y en 2004 graban un nuevo disco.

PERSONAL:
Stanley Whitaker : guitarra de seis y doce cuerdas, voces
Kit Watkins : mini-moog, piano, Fender rhodes, A.R.P., Hammond , Hohner clavinet, flauta, marimba
Frank Wyatt : saxo, fluata, piano, teclados, voces
Rick Kennell : bajo
Mike Beck : batería

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 116 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 113 MB
Artwork: completo, alta calidad

RAGNAROK - RAGNAROK (1976)

2008-11-14T12:05:00.000-08:00

Nombre: Ragnarok
Banda: Ragnarok
Año: 1976
País: Suecia
Sello: Silence Records

TRACKLIST:
01 Farvel Köpenhamn (Goodbye Copenhagen) [02:30]
02 Promenader (Walks) [04:40]
03 Nybakat Bröd (Freshbaked Bread) [03:01]
04 Dagarnas Skum (Foam Of The Days) [08:07]
05 Polska Fran Kalmar (Reel From Kalmar) [00:46]
06 Fabriksfunky (Factoryfunk) [04:49]
07 Tatanga Mani [04:34]
08 Fiottot [01:23]
09 Stiltje-Uppbrott (Calm-Breaking Up) [04:21]
10 Vattenpussar (Pools Of Water) [04:08]

Tiempo total: 43:19

EL DISCO:
Este es un album delicado. Con claras influencias del jazz y la música folklórica. Con un nivel de músicos muy bueno. Las composiciones no son demasiado complejas ni originales, pero estan bien trabajadas y presentadas, con hermosas guitarras acústicas y pianos eléctricos. Estos instrumentos y alguna flauta son los rasgos mas distintivos de este grupo. Con piezas cortas generalmente suaves, nos transportan por distintos paisajes, algunos muy amenos, otros un poco más nostálgicos, pero siempre es una música con un poder evocativo muy grande. En ciertos tracks nos regalan un folk muy relajado, con un sello bien escandinavo, y hasta se animan a un funky que a mi personalmente me recuerda mucho a la música de Luis Alberto Spinetta orientada al jazz. El tema más largo del disco nos muestra que se adentran en distintos estilos, y este tema suena a la etapa espacial de Pink Floyd, con esas guitarras un tanto bluseras.
Un disco sutil, hermoso que jamás puede ser catalogado de malo a pesar de que no este orientado a nuestros gustos personales. Un disco que su belleza radica en la serenidad y la melancolía, en las sutilezas del grupo sonando en conjunto y no en el virtuosismo individual. Recomendado.

No hay que confundir a esta banda con las homónimas de Nueva Zelanda (Psicodelia-Space) ni con la banda Ragnarok de Heavy Metal.
Esta es una banda que nació o mediadios de los años 70, en el rico terreno musical sueco. Años más tarde grabarían dos discos, que sin ser malos, no llegan a la calidad de este trabajo.
Lamentablemente no hay mucha información en internet, en idiomas que yo pueda entender de esta agrupación.

PERSONAL:
Lars Peter Sörensson : bateria
Stefan Ohlsson : teclados, guitarra
Peder Nabo : flauta, guitarra
Staffan Strindberg : bajo
Peter Bryngelsson : guitarras
Henrik Strindberg : guitarra electrica, flauta, flauta soprano, saxo

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 83,7 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 88, 3 MB
Artwork: Completo

HOELDERLIN - HOELDERLIN'S TRAUM (1972)

2008-11-06T11:57:00.000-08:00

Nombre: Hoelderlin's Traum
Banda: Hoelderlin
Año: 1972
País: Alemania
Sello: Ohr/Pilz (ZYX)

TRACKLIST:
01 Waren Wir [04:53]
02 Peter [02:52]
03 Strohhalm [02:20]
04 Requiem fur Einen Wicht [06:32]
05 Erwachen [04:20]
06 Wetterbericht [06:34]
07 Traum [07:20]

Tiempo total: 34:51

EL DISCO:
Este es un album hermoso, donde los arreglos y la variedad de instrumentos dan matices preciosos. La música de Hoelderlin, mezcla cálidos sonidos folk, con algunos tintes progresivos. El resultado es una mixtura muy bien lograda, sacando el jugo de cada instrumento. En 1972, sale a la luz este disco gracias a la ayuda de un sello pequeño. En Hoelderlin's Traum podemos encontrar pianos, melotrones, violines, chelos, sitars, tablas, flautas todo un arsenal dispuesto a deleitar nuestros oidos. Un poco de rock, psicodelia, progresivo, folk, algo de jazz, música barroca, todo eso junto muy bien entrelazado es el album debut de esta banda germana. Quiero destacar este album de toda la discografía del grupo, por sus momentos emotivos y sobre todo por incluir el registro de voz de Nanny DeRuig que acompaña perfectamente este tipo de composiciones (muy linda ella por cierto). Uno de esos discos díficiles de comentar, ya que a mi particularmente me gusta mucho, y sería demasiado imparcial en mis comentarios. Juzguen ustedes

Un poco de historia de los primeros años:
Hoelderlin es fundado en Noviembre de 1970 por los hermanos Joachim y Christian von Grumbkow, que venian de varias agrupaciones donde se dedicaban a hacer covers. Ellos a cargo de todo un arsenal de instrumentos, entre ellos teclados, guitarras, chellos, percusiones, etc... junto a Nanny DeRuig a cargo de la voces y alguna que otra danza, bautizan al grupo Hoelderlin, por el poeta.
En 1971 se unen otros tres miembros: Christian Noppeney (viola, guitarrras), Peter Käseberg (bajo) and Michael Bruchmann (batería). Peter y Christian se dedicaban a escribir la mayoría de las letras justamente influenciados por Friedrich Hoelderlin el poeta de donde proviene el nombre de la banda. Este mismo año logran firmar un contrato con el sello OHR Musik.
En Febrero de 1972 la banda comienza a trabajar en el material de su primer albúm. El disco recibio críticas muy elogiosas de los medios alemanes, incluso de la revista de estados unidos "Eurock". Ese mismo otoño comienzan una gira radial, alrededor de Alemania, donde logran hacerce de un gran público.
Al año siguiente, tenian programados más de 80 conciertos, en todo el país y algunas apariciones en televisión y de invitados con otras bandas de esa época. Nanny DeRuig deja la banda para finales de 1973.

Hoelderlin el poeta:
J. C. Friedrich Hölderlin (1770-1843) está considerado el más gran poeta del Romanticismo alemán. Entusiasta de los valores de la Revolución Francesa, como sus compañeros de seminario Hegel y Schelling, traductor de Sófocles y Píndaro, fue autor, además de la producción poética, de ensayos y obras clave de la literatura europea (Hiperión, La muerte deEmpédocles). Después de vagar sin rumbo como preceptor de familias ricas, vivió los últimos 37 años de su vida aquejado de una oscura locura, en la casa de un carpintero a orillas del Neckar, "tocado por Apolo" y entre los dioses. Olvidado en vida y durante largo tiempo tras su muerte, ha marcado de manera determinante la obra de filósofos y de poetas como el propio Luis Cernuda.

PERSONAL:
Michael Bruchmann : batería, percusión
Nanny DeRuig : voz
Christian Grumbkow : guitarras
Joachim Grumbkow : chelo, guitarra acústica, fluata, tecaldos, melotrón
Peter Kaseberg : bajo, guitarra acústica, voces
Christoph Noppeney : violin, fluata, piano
Peter Bursch : sitar (3)
Mike Hellbach : tablas (3)
Walter Westrupp : flauta (5)

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 96,7 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 79,5 MB
Artwork: Completo, alta calidad, + ediciones japonesas.

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REMASTERIZACION JAPONESA (2003)
Fiel al vinilo

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR (2 partes)
Peso: 200 MB + 30 MB

Formato de audio: FLAC
Peso: 231 MB
Artwork: Completo, alta calidad

THE MARS VOLTA - FRANCES THE MUTE (2005)

2008-11-03T09:44:00.000-08:00

Nombre: Frances the Mute
Banda: The Mars Volta
Año: 2005
País: Estados Unidos
Sello: Universal Records

ESTRUCTURA:
1. Cygnus....Vismund Cygnus [13:02]
A. Sarcophagi
B. Umbilical Syllables
C. Facilis Descenus Averni
D. Con Safo
2. The Widow [05:51]
3. L'Via L'Viaquez [12:22]
4. Miranda That Ghost Just Isn't Holy Anymore [13:10]
A. Vade Mecum
B. Pour Another Icepick
C. Pisacis (Phra-Men-Ma)
D. Con Safo
5. Cassandra Geminni [32:32]
A. Tarantism
B. Plant a Nail in the Navel Stream
C. Faminepulse
D. Multiple Spouse Wounds
E. Sarcophagi

TRACKLIST:
01 Cygnus... Vismund Cygnus [13:02]
02 The Widow [05:51]
03 L' Via L' Viaquez [12:22]
04 Miranda that Ghost Just Isn't Holy Anymore [13:10]
05 Cassandra Geminni I [04:46]
06 Cassandra Geminni II [06:40]
07 Cassandra Geminni III [02:56]
08 Cassandra Geminni IV [07:41]
09 Cassandra Geminni V [05:00]
10 Cassandra Geminni VI [03:48]
11 Cassandra Geminni VII [00:47]
12 Cassandra Geminni VIII [00:54]

Tiempo total: 76:55

EL DISCO:
Definitivamente Frances the Mute, es uno de mis discos favoritos de los últimos años, un disco para escuchar de principio a fin y hundirse en las distintas texturas de cada capítulo. Es un disco conceptual basado en un diario de un fallecido miembro de la banda, que encontro en el asiento trasero de un auto, del depósito donde trabajaba. Desde el comienzo nos muestra todo su potencial rockero, con ritmos bastante complejos a los acostumbrados para el rock del mainstraeam, cargado de energía rockera. The Widow, el tema más comercial del trabajo, no deja de ser increíblemente bueno. Un poco de salsa, guitarras a lo hendrix, psicodelia, atmósferas fantasmales y experimentación es lo que sigue. Encuentro como puntos culmines del disco "Plant a Nail in the Navel Stream" la segunda parte de Cassandra Geminni, creo que este corto track resume lo que es Mars Volta, y particularmente este disco. Luego en las partes subsiguientes quiero destacar la entrada del saxo, con efecto, muy alocado y por demás acertado. No me gustaría extenderme más, es un disco que hay que escuchar.

La historia tras Frances the Mute
Se basa en un diario encontrado por Jeremy M.Ward (antiguo miembro de la banda -manipulador de sonido- fallecido en 2003 de sobredosis) en el asiento de atrás de un coche cuando trabajaba como repo-man (recuperador de coches) para una empresa.
El diario trataba de la búsqueda por parte del joven de sus padres biológicos, ya que él era adoptado. Jeremy, también adoptado, se interesó mucho por la historia y empezó a desarrollarla, pero su muerte prematura (27) le impidió continuar.
Posteriormente Omar y Cedric continuaron desarrollando el diario y cada tema del disco se refiere a uno de los personajes del diario, siendo "Frances the mute" el tema que sirve para descifrar el escrito (y que curiosamente sólo aparece en la 1ª edición en vinilo)
Según ellos, la historia es la búsqueda del eslabón perdido, el tema de la familia biológica, en contraposición con la familia "real" (aquellos con los que convivimos y pasamos nuestro tiempo).
"Nos sirve como nuestro propio diario, dice Zavala, ya que el hecho de que nos pasemos todo el tiempo de tour, hace que nos cuestionemos cuál es la verdadera familia. También hay cosas sobre la historia que no queremos compartir. Sería demasiado personal y redundante incluso el hablar de ello. Digamos que es una historia de abandono y adicción..."
Y continúa :"Así como el álbum anterior era un universo de imaginación, un poco historia de ciencia-ficción, en "Frances"... se transpira el mundo real, las experiencias vividas y el regreso a las raíces latinas del grupo".

PERSONAL:
Omar Rodriguez-Lopez : guitarra
Cedric Bixler-Zavala : vocalista
Jon Theodore : batería
Isaiah Ikey Owens : teclados
Juan Alderete : bajo
Marcel Rodriguez-Lopez : percusion
Flea : trompeta en "The Widow"
John Frusciante : dos primeros solos de guitarra en "L'Via L'Viaquez"
Larry Harlow : piano, clarinete modificado "L'Via L'Viaquez" y "Cassandra Gemini"
Lenny Castro : percusion adicional
Adrián Terrazas-González : tesaxofon tenor, flauta en "Cassandra Gemini"
Salvador (Chava) Hernandez : trompeta
Wayne Bergeron : trompeta
Randy Jones : tuba
Roger Manning : piano
Nicholas Lane : trombón
William Reichenbach : trombón bajo
David Campbell : arreglos de cuerda
Larry Corbett : cello
Suzie Katayama : cello
Violines:
Fernano Moreno
Erick Hernandez
Diego Casillas
Ernesto Molina
Joel Derouin
Roberto Cani
Mario De Leon
Peter Kent
Josefina Vergara

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 170 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 176 MB
Artwork: completo, alta calidad

HÖYRY-KONE - HYONTEISIA VOI RAKASTAA (1995)

2008-10-27T15:25:00.001-07:00

Nombre: Hyonteisia Voi Rakastaa
Banda: Höyry-Kone
Año: 1995
País: Finlandia
Sello: Perpetuam Memoriam

TRACKLIST:
01 Örn [03:58]
02 Raskaana [03:10]
03 Hämärän joutomaa [07:07]
04 Pannuhuoneesta [02:08]
05 Luottamus [04:30]
06 Kaivoonkatsoja [04:00]
07 Kosto [05:57]
08 Hätä [03:42]
09 Myrskynmusiikkia [06:46]
10 Hyönteiset [03:13]

Tiempo total: 46:45

EL DISCO:
Höyry-Kone , que en español significaría algo así como “máquina de vapor”,es una banda finlandesa de lo más ecléctica, tan circense como oscura, pesada como emotiva, con influencias de lo mas variadas, nos regalan este primer trabajo Hyonteisia Voi Rakastaa.
Los pilares de este disco son muchos, principalmente su libertad de género, abarcando varios estilos, esta máquina de vapor no se encierra en uno solo, y sabe aprovechar su amplio rango de instrumentos según lo sugiera la composición. La voz es un punto muy alto, Topi Lehtipuu le aporta mucha actitud y teatralidad y sobre todo una gran calidad vocal, hoy es habitual vocalista de la Òpera de Paris. Otro elemento muy bien usado son los chelos y violínes que conviven a la perfección con guitarras y bajos bien crudos. Pueden olerse ciertos aromas del Zeuhl que supo cosechar Magma, influencias crimsonianas, y de las bandas escandinavas como Anekdoten, y similares. Algo de techno-pop, música de cámara, étnica, bossa nova… y largos etcéteras hacen de esta salsa que es Hyonteisia Voi Rakastaa algo que deleita el paladar. Encuentro particularmente hermoso el tema Luottamus, comenzando tan suaver y delicado, con sútiles arreglos de guitarra y un contrapunto de cuerdas muy bonito, con un verdadero broche de oro al final, totalmente cautivador. Lo que le sigue es una cruza de rock y música de cámara muy bien lograda. Un disco muy parejo en su calidad, y sin ninguna dudas junto con el segundo disco de la banda de lo mejor de los noventas

Esta banda finlandesa nace a principios de los noventa, fundada por Jussi Kärkkäinen (guitarra) y Teemu Aniñen (batería). Luego de idas y vueltas la banda queda conformada en 1995 y graban su primer trabajo. Para su segundo trabajo quedan conformados como un octeto grabando el hoy célebre Huono Parturi y más tarde luego de unas pocas presentaciones se separan. Algunos de sus miembros armaron Alamaailman Vasarat. Höyry-Kone tuvo una participación en el tributo a Iron Maiden (Slave to the Power), donde hacen una peculiar versión sinfónica de “The Trooper”. Lamentablemente no hay mucha más información en la red, que este en un idioma que yo pueda entender.

PERSONAL
Jukka Hannukainen : voces, sintetizadores, programación
Teemu Hänninen : bateríaTuomas Hänninen / guitars
Jussi Kärkkäinen : guitarra, órgano
Nina Lehos : oboe
Topi Lehtipuu : voz, violín
Marko Manninen : chelo
Jarno Sarkula : bajo, órgano

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 86,7 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 101 MB
Artwork: frontal, alta calidad

TIME - TIME (1972)

2008-10-19T20:12:00.000-07:00

Nombre: Time
Banda: Time
Año: 1972
País: Yugoslavia
Sello: Jugoton
Reeditado 1993 por Croatia Records

TRACKLIST:
01 Istina Masina [04:53]
02 Pjesma No.3 [05:57]
03 Hegedupa Upa [05:13]
04 Kralj Alkohol [07:04]
05 Za Koji Zivot Treba da se Rodim [10: 05]

Tiempo total: 33:02

EL DISCO:
No estamos ante un disco sobresaliente, pero su contenido es más que interesante. Sin una orientación específica hacia un estilo puntual, Time es una banda que juega con distintos recursos y conjuga una música por momentos muy original. Consagrado como el primer LP de rock progresivo de la ex Yugoslavia, es un trabajo muy bueno, con un tema inicial algo tímido que sin ser malo no nos deja muy claro frente a que estamos, de este se destaca la labor del órgano. Päsamos a Pjesma No.3 una balada blusera con una voces muy expresivas que verdaderamente trasmiten sentimiento, ya que de la letra no tengo ni idea porque cantan en su idioma natal, que por cierto lo considero un punto a favor. Luego de este comienzo algo tibio el disco da un giro muy grato por cierto y comienza a destilar sus tintes progresivos, con una “danza pseudo tribal yugoslava” muy interesante y divertida aunque algo repetitiva y para finalizar dos muy buenos temas destacando sobre todo Kralj Alcohol, que deslumbra alguna que otra influencia jazzística y que tiene unos teclados sobresalientes. En conclusión tenemos un disco con una producción basica bien logrado, con influencias jazzeras y cosas muy originales . redondeando un saldo positivo.

Las idas y vueltas de la banda:
Dado Topic, luego de abandonar Korni Grupa se mudó a Zagreb y con ayuda de Vladimir Mihaljek formaron Time. Con la incorporación de Brane Lambert Zivkovic en piano, flauta, piano eléctrico; Ratko Divjak en batería; Tihomir Pop Asanovic en órgano y Mario Mavrin en bajo el verano de 1972, graban este disco homónimo. Se lanzarón solamente 500 copias, ya que la compañia no esperaba repercusión comercial con este tipo de material, pero con las décadas tuvo varias reediciones que lograron dar a conocer mas a la banda y vender un número mayor de copias. La alineación original de la banda se disuelve en 1973 luego de varios cambios y en 1974 Dado Topic pasó un tiempo en prisión por eludir el servicio militar obligatorio, allí escribió casi todo el material para lo que sería su segundo disco “Time II” grabado en 1975. La formación de la banda para este trabajo era: Topic, voz, bajo, guitarra acústica; Asanovic en teclados; Divjak en batería y percusión; Dragi Jelic en guitarras y and Dabi Lukac en moog y melotrón. Luego Topic se mudo a Londres donde tocó con The Foundations en varias giras. Precisamente durante una de esas giras en Yugoslavia Dado Topic decide reformar el grupo Time, con sus compañeros Petar Petej en batería y Chris Nicholls en teclados. Petej toco ocasionalmente con el grupo, pero con el retorno de Bozic y Divjak la banda graba su tercer disco, un album conceptual acerca de la vida de una estrella de rock & roll, grabado en Munich. Luego de varias giras la banda se disuelve en 1977, abriendo las carreras solistas de sus miembros. La banda se reunio por un período breve a manos de Bozic y Divjak en 2001 para tocar solo algunos conciertos.

PERSONAL:
Brane Lambert Zivkovic: piano, flauta, piano eléctrico
Dado Topic: voz
Mario Mavrin: bajo
Ratko Divjak: batería
Vedran Bozic: guitarras, voces
Tihomir Pop Asanovic: hammond

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 69,9 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 76,6 MB
Artwork: frontal, alta calidad

TETRAGON - NATURE (1971)

2008-10-16T20:30:00.000-07:00

Nombre: Nature
Banda: Tetragon
Año: 1971
País: Alemania
Sello: Soma
Reeditado por Musea en 1995

TRACKLIST:
01 Fugue [15:59]
02 Jokus [0:21]
03 Irgendwas [6:01]
04 A Short Story [13:41]
05 Nature [7:44]
Bonus Track (En la reedición de Musea)
06 Doors In Between [14:16]

Tiempo total: 58:01

EL DISCO:
Nature es uno de esos tantos discos de la época dorada del Krautrock condenado al olvido, por poca prensa o que se vieron opacados por otros grandes del género. Lo cierto, que la escena kraut dejo varias bandas en el olvido, y gracias a algunos sellos pequeños como Musea, hoy podemos disfrutar de algunas gemas perdidas en el camino. Pero esta obra posee una particularidad muy grande que fue las precarias condiciones de grabación casi imperceptibles debido a su gran calidad musical. Sólo 400 copias se editaron en el año 1971, es un milagro que hoy podamos disfrutar de ella.
La música esta muy cercana a la obra de Emerson con el grupo The Nice, pero con todo el respeto que le tengo a esa banda debo decir que encuentro en Tetragon un poco más de dinámica. Todos los instrumentistas son muy buenos aquí, pero logran un equilibrio mayor entre todos que en bandas como la antes citada. Sucede que de a ratos los músicos se pasean en pasajes bluseros o jazzeros además de su clara influencia que es la música clásica. Bandas como The Nice, creo que terminan saturando al oyente, y otras generalmente son suma de individualidades donde se turnan para hacer súper solos, aca el resultado no es saturador en absoluto, porque como dije antes su música entra y sale de distintos géneros y se pasea a su agrado con un resultado óptimo. Los teclados están muy bien puestos, como en el primer tema Fugue, basado en la Tocata en re menor de J. S. Bach, una versión de lo más atrevida y original que he escuchado sin caer en el facilismo en los que caen todos al realizar un cover con base a una obra clásica. Las precarias condiciones de grabación hacen que el sonido de la banda sea el punto bajo del disco en si, y por otro lado teniendo en cuenta las mismas, nos recalca la enorme calidad de sus músicos. Musea en esta reedición hizo lo que pudo por mejorar la calidad del sonido, y la verdad que lo hizo muy bien.

La historia de Tetragon y la grabación de Nature.
Tetragon fue una de las tantas bandas de poca duración de principios de los setenta, originarios del norte de Alemania. La banda deriva de una previa llamada Trikolon formados por amigos de la escuela. La banda formaba con Hendrik Schapper, en órgano y trompeta, Rolf Rettberg, en bajo y Ralph Schmieding, a cargo de la batería, principalmente tocaban covers de The Nice, pero como sus contemporáneos Ekseption poco a poco fueron acercándose a otros géneros como el Blues y el Jazz, y poco a poco se fueron adentrando más en el terreno de la improvisación ya que Schmieding era fanático de Miles Davis. Fueron haciéndose conocidos en la escena local y lanzaron una grabación de 150 copias de una de sus presentaciones en vivo. En 1971 Schmieding abandona el grupo, y deciden buscar un reemplazante, para ocupar su rol entra Achim Luhrmann y incorporan a un talentoso guitarrista Jürgen Jaehner. A partir de ahora el cuarteto comienza a llamarse Tetragon.
Para la grabación de este disco utilizaron una consola precaria de la época, algo de cinta y solo siete micrófonos para captar el sonido de cada instrumento. Las sesiones de grabación tuvieron lugar en una vieja granja, perteneciente a unos conocidos. No existían chances de sobregrabación, lo que impulso a los músicos a tocar en un gran nivel, y a veces como el tecladista, a tocar con una mano el órgano y con la otra el clavinet, o a Jürgen Jaehner cambiar de guitarras a cada rato, para pasar de la eléctrica a la acústica. A pesar de esto, el resultado final es digno de envidia, y para aplausos, no encuentro temas débiles en el disco y sus interpretaciones son muy buenas. Material poco conocido y de gran calidad de la primera generación del rock progresivo.

PERSONAL:
Hendrik Schaper: teclados, voces
Jürgen Jaehner: guitarras
Rolf Rettberg: bajo
Joachim Luhrmann: batería

ARCHIVO
Servidor: Rapidshare
Formato: RAR
Peso: 132 MB

Formato de audio: MP3, 320 kbps
Peso: 132 MB
Artwork: Completo, alta calidad

FAUST - FAUST I (1971)

2008-10-15T13:50:00.000-07:00

Nombre: Sín título (Faust, Faust I o Clear)
Banda: Faust
Año: 1971
País: Alemania
Sello: Polydor

TRACKLIST:
01 Why Don't You eat Carrots? [09:34]
02 Meadow Meal [08:04]
03 Miss Fortune [16:36]

Tiempo total: 34:14

EL DISCO:
Faust nos trae una propuesta sin precedentes, encara este proyecto musical con una libertad total. Por lo tanto, no es un trabajo de fácil escucha, ni tampoco recomendado para mentes poco abiertas. La banda nos pone a prueba desde el comienzo con un sonido, digamos poco grato, que creo hace la suerte de una advertencia: “Si no soportas esto, no estás preparado para nuestra música”. Luego, entre una atmósfera errática pueden oírse canciones de los Stones y los Beatles sampleadas, a la distancia, muy lejos y difusas, como si estuvieran en otro espacio y tiempo. Claramente estos primeros segundos son muy simbólicos. Estos alemanes están muy lejos de los cánones comunes del rock y de la música anglosajona de la época, esas canciones que escuchamos difusas están muy lejos del objetivo musical de esta obra, pertenecen a otra dimensión.
He leído una descripción muy acertada acerca de este disco, lo comparaba con un descampado, donde entre el pasto, surgen del suelo, bloques de cemento, una zapatilla vieja, un piano de juguete, entre las flores puede verse un alambre retorcido. Para los oídos acostumbrados al rock y aún al rock progresivo, estos alemanes son inclasificables, más que nada en esta primer obra, luego eligirían estructuras un poco mas convencionales.
Como decía antes, describir su música es difícil. Un poco de jazz, un poco de psicodelia, rock progresivo, música acústica, ruido, todo muy bien procesado con aires de caos, como si todo estuviera unido y pegado sin mucho cuidado, pero esto no es un descuido, es intencional y característico del sonido de la banda. Faust utilizaba al estudio de grabacion como un elemento muy importante en sus discos, "Por lo que a mí respecta, la mitad de la esencia de Faust",valora Irmler, "radicaba en utilizar el estudio como un instrumento más, no tratarlo simplemente como una máquina registradora que graba sonido. Aun estoy infectado con esa idea. Es como darle una nueva oportunidad al material. Darle una nueva dirección a una sesión que ya está completa. Ofrecerle un nuevo impacto".
Sus sonidos son fúnebres y festivos a la vez, ácidos y misteriosos, a veces circenses y satíricos, y por supuesto muchas veces oscuros. Se mezclan riffs absurdos de vientos sintéticos, pianos fantasmagóricos, sonidos estrafalarios, alguna que otra conversación en alemán y una experimentación total que me recuerda al disco de estudio de Ummagumma de Pink Floyd, salvando las distancias.. Es un trabajo que a la primera escucha resulta desalentadoramente extraño, pero que de a poco con nuevas escuchas, y la mente abierta, nos muestra su belleza oculta, que es enorme. Una vez develados los misterios, es una obra magnífica.

Hablemos un poco de Faust:
Faust es una banda de Krautrock alemana, compuesta originalmente por Werner “Zappi” Diermaier, Hans Joachim Irmler, Arnulf Meifert, Jean-Hervé Péron, Rudolf Sosna y Gunter Wüsthoff, además del productor musical Uwe Nettelbeck y el ingeniero en sonido Kurt Graupner. El grupo se formó oficialmente en 1971 y tenían como lugar de origen Wümme. Uwe Nettelbeck, el creador y productor de Faust falleció el 17 de Enero del 2007.
Según algunos son nada menos que “inventores de la música industrial, precursores del post-punk y padrinos del techno”. Faust empezaron a crear a principios de los setenta, reunidos en una suerte de comuna, como si de una prolongación aislacionista del mayo del 68 se tratara. Revolucionarios, impredecibles y crípticos, su misión residió en dinamitar los formatos preestablecidos y vencer el encapsulamiento musical. En 1973 entregaban el seminal “The Faust Tapes”, primer disco de la historia realizado con cut’n’paste. Cada nuevo trabajo suyo hizo tabula rasa de lo anterior, nutriendo sus composisiones de improvisación, accidentes y experimentación. Abstracta e insondable, entre futurismo y primitivismo, hoy (cuando anuncian nuevo disco para el otoño) su no-música ya ha alcanzado la universalidad. Y como dice Hans Joachim Irmler: “Nada que sea ‘Faust’ puede morir. Lo fáustico no muere”
Vivieron en comuna en la villa rural de Wümme y se apartaron del ruido mundanal para centrarse en el suyo propio. Este aislacionismo tendió un halo de misterio a los inicios de la banda. Ideal para constituirse en grupo de culto. ¿Existió entonces una escena kraut? "Una de nuestras leyes era vivir aislados de influencias. Sin conexión con otras bandas. Centrados en lo nuestro.
Irmler contesta esta pregunta de la siguiente forma: “Le pusimos krautrock a la primera canción de del disco Faust IV irónicamente. Es decir, que el flamante krautrock nació precisamente porque Faust no era rock ni estábamos de acuerdo con las guerras de nuestros antecesores. Éramos una progresión de las ideas revolucionarias de los estudiantes europeos de finales de los 60 en Francia, Alemania y Reino Unido. Llevamos esas ideas a otros extremos. Creímos que era un buen momento para crear una música autóctona, desligada del modelo sajón de blues y rock. Nuestra realidad era otra".
Dispares musicalmente, lo que tenían Neu!, Can, Faust y Kraftwerk en común fue "el deseo de constituir un punto de fuga y el intento de crear un nuevo standard musical que tenga sus raíces en Alemania y en la reflexión individual".

PERSONAL:
Werner "Zappi" Diermaier : batería
Hans Joachim Irmler : órgano
Arnulf Meifert : batería
Jean-Hervé Péron : bajo
Rudolf Sosna : guitarras y teclados
Gunter Wüsthoff : sintetizadores y saxo

Kurt Graupner : ingeniero de sonido
Uwe Nettelbeck : productor

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IL ROVESCIO DELLA MEDAGLIA - CONTAMINAZIONE (1973)

2008-10-15T13:49:00.000-07:00

Nombre: Contaminazione
Banda: Il Rovescio Della Medaglia
Año: 1973
País: Italia
Sello: RCA

TRACKLIST:
01 Absent for this consumend World [01:05]
02 Ora non ricordo piu [01:47]
03 Il suono del silenzio [05:16]
04 Mi sono svegliato e..ho chiuso gli occhi [04:19]
05 Lei sei tu: Lei [02:04]
06 La mia musica [04:10]
07 Johann [01:23]
08 Scotland Machine [03:06]
09 Cella 503 [03:18]
10 Contaminazione 1760 [01:04]
11 Alzo un muro elettrico [02:55]
12 Sweet Suite [02:17]
13 La grande fuga [03:42]

Tiempo Total: 36:14

EL DISCO:
Il Rovescio Della Medaglia (la otra cara de la moneda), es un grupo que tiene valoraciones antagónicas, hay quienes dicen que este disco, Contaminazione del año 1973, es una de las obras maestras del género, y por otro lado hay quienes no encuentran en él originalidad ni otros brillos. Lo cierto, es que a mí personalmente, me parece de lo mejor, de esos años en Italia, comparandose con pesos pesados como Premiata Forneria Marconi, Banco del Mutuo Socorros, Le Orme y otros.
Si bien es cierto que no inventaron nada, ya que fusionar la música clásica con el rock ya se había hecho con anterioridad en grupos como The Nice, y también si tomamos en cuenta que gran parte del credito acerca de la mùsica le pertenece a J. S. Bach, ya que toman algunos preludios y fugas, y sobre todo “El Clave Bien Temperado” como base, estaríamos en presencia de una obra con méritos ajenos, pero yo encuentro en Contaminazione una fusión exquisita.
El disco es un album conceptual sobre la vida del personaje Isaias Somerset, un presunto hijo natural de Bach, historia inventada por Enrique Bacalov, compositor de Contaminazione del cual hablaremos luego. Por supuesto la música nos transporta a esa época, y como armas utiliza un arsenal de distintos teclados, como melotrones, claves, órganos de iglesia, todo finamente arreglado. Podemos encontrar, hermosas interpretaciones en el violín, tanto como solos de guitarra bien rockeros. Todos los temas estan perfectamente enganchados entre sí, y dentro de ellos subdivisiones muy interesantes con cambios rítmicos inesperados. Es una mixtura exquisita, que compensa su supuesta “falta de originalidad” con calidad.
La banda no siempre incursiono en estos terrenos, como se puede notar en su disco anterior con tintes mas hardrockeros, el responsable de este cambio fue Enrique Bacalov, compositor argentino, que trabajaba para RCA en Italia, componiendo música de comerciales y bandas sonoras, siendo de estos su trabajo más destacado la de la película “Il postino”, premiada con un Oscar. Su entrada en el mundo progresivo fue por pura casualidad y como divertimento, resulta que uno de sus trabajos que tenia como destino la pelicula "La Vittima Designata" del director Mauricio Lucidi, le fue rechazada por mala calidad de grabacion... Luis Enrique penso que esta su obra academica encajaria perfectamente con la musica rock progresivo que estaba de moda en Italia y el productor Sergio Bardotti con el cual ya habia trabajado anteriormente en la RCA en una comedia musical infantil, le puso en contacto con uno de los grupos que mas exito tenia por aquellos entonces llamado New Trolls. Además de este disco con Il Rovescio Della Medaglia, trabajo en Concerto Grosso I (1971), Concerto Grosso II (1976) con la banda New Trolls, y Preludio, tema, variazioni e canzona (1972) con la banda Osana.

Dejo el texto traducido que figura en la portada interna contando un poco de la historia del personaje ficticio Isaias Somerset:
Despues de ocho años Oliver Mc Dougall vuelve a ocuparse del "caso" Somerset.
Su mas reciente publicacion saca a la luz ulteriores documentos sobre la vida y la obra del supuesto musico Escoces. En abierta polemica con Von Kuhlemberg, quien a este argumento dedico pocas y encorelizadas lineas, no privadas de cierto chauvinismo pangermanistico , traza los rasgos esenciales de una biografia artistica extremadamente compleja, hasta la patologia de la creacion. No obstante, debemos una vez mas ser extremadamente cautelosos en el aceptar "tout-court", una tesis musicologica muy dudosa. Existio verdaderamente Isaias Somerset? No nos encontramos en el centro de un colosal "bluff" de algun habilisimo archivista provinciano? Resumamos a grandes rasgos la reconstruccion macdougallesca.
Nacido el 13 de Agosto de 1734 en Escocia, en Stuarton (hoy Middlesborough), hijo natural de una tal Angelica Somerset de profesion mesonera, el "Nuestro" (Isaias Somerset) fue encaminado a la musica por un monje irlandes. A temprana edad formo parte de la orquesta de Sir Anthony Pantano, componiendo para ella las primeras "bagatellas" y "suites" para baile. Estas seran cosas de poca importancia, si se quiere dar credito al testimonio del autor en una carta dirigida a Wolfgang Amadeus Mozart, el 4 de Mayo de 1765.
Formo parte de la orquesta de Sir Anthony Pantano hasta el año 1759 y se puede decir que a partir del año siguiente, se inician los primeros ataques del mal que pronto lo condenaria. No sabemos hasta ahora exactamente, y deseariamos que algun estudioso de psicopatologia se ocupase de este asunto basandose en los documentos ya publicados, el motivo del surgimiento en Isaias de la forma maniacal que lo persiguio hasta ser internado en el manicomio local y que mas tarde lo llevo a la destruccion fisica. Estudioso y amante "ante litteram" de la musica de J. S. Bach, se identifico con el coloso de Eisenach hasta creerse y definirse como su hijo natural. De aqui las pateticas cartas enviadas al "hermano" Hans Cristiano a la escuela de la Thomaskirche de Lipsig, para obtener el titulo de Kappelmeister (director) como lo fuera su supuesto padre, y al Principe de Brandeburgo pretendiendo tener en su poder el manuscrito del "Septimo Concierto Brandeburgues", ofreciendolo a cambio de 22 taleros.
Sin trabajo, angustiado por la soledad y el silencio al cual estaba condenado, se dejo crecer el cabello y la barba, quizas por protesta , y en la noche de Navidad en 1764 subio desnudo al techo del municipio y desde alli ejecuto algunos fragmentos de su "Cantata de la Navidad" para voz y violin, hasta que fue detenido por los gendarmes.
Fue internado en el manicomio local de donde no salio nunca mas. Tuvo momentos de lucidez y pavorosas recaidas. Su continua alucinacion, de tipologia erotico-narcisistica, fue aquella de tener relaciones con su propia Musica, materializada en forma femenina en su mente trastornada. La "Ella" de las cartas y de los fragmentos podria de cualquier modo referirse a un disfraz en clave materna del "ego".
Compuso mucho: los fragmentos llegados hasta nosotros demuestran una vez mas su total y patetica filiacion a la musica del gran aleman. Esto fue tanto, que se puede justificar la confusion de Spitzen, que incluyo a muchos de aquellos fragmentos en su tan famoso como confuso Catalogo Bachiano. Es fascinante la hipotesis de Mc Dougall, que no se trata de obras fragmentadas, sino de un verdadero y propio "corpus" de alucinaciones musicales teniendo un caracter completo en si mismo, una especie de "non finito" Miguelangelesco.
Y llegamos a la noticia que ha turbado el mundo musical londinense: Jim Mc Cluskin, el notable guitarrista pop y medium, escoces de nacimiento y convertido recientemente a la fe tibetana segun las enseñanzas del Guru Ananda Kitandani, fundador de la escuela "In God We Are, In God Live, In God We Die", ha admitido publicamente, al regreso de su ultimo viaje en Nepal, de ser el "avatar" (la reencarnacion) de Somerset. Una vez mas dudamos. Revelacion veridica o desperjuiciado agente promocional? Encontramos excesivamente trivial la idea de Mc Cluskin de contactar a traves de las guias telefonicas de las dos Alemanias todos los "Bach" existentes, con el fin de reconectar los hilos de la ilustre parentela. Es deber del critico indagar para informar. El terreno esta lleno de amenazas y de insidias escondidas.
"Hic homo, haec musica" (ese hombre hizo musica). Y por ahora que les sea suficiente.

Traducción por Juan Mellado

PERSONAL:
Enzo Vita: guitarras
Gino Campoli: bateria
Franco Di Sabbatino: teclados
Pino Bailarini: voz y flauta
Stefano Urso: bajo
Luis Enriquez Bacalov: teclados, composición, arreglos y dirección musical

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THE MOODY BLUES - DAYS OF FUTURE PASSED (1967)

2008-10-15T13:47:00.000-07:00

Nombre: Days of Future Passed
Banda: The Moody Blues
Año: 1967
País: Reino Unido, Inglaterra
Sello: Deram / Polydor

TRACKLIST:
01 The Day Begins [05:50]
02 Dawn - Dawn is a Felling [03:48]
03 The Morning - Another Morning [03:56]
04 Lunch - Peak Hour [05:33]
05 The Afternoon [08:23]
- a) Forever Afternoon (Tuesday )
- b) (Evening) Time To Get Away06 Evening [06:40]
06 Evening [06:40]
- a) The Sunset
- b) Twilight Time
07 The Night - Nights in White Satin [07:24]

Tiempo total: 41:34

EL DISCO:
Alejados del R&B de su primer LP, tras la salida de Denny Laine, y con la incorporación de Justin Hayward, la banda de Birmingham dió un giro enorme en su sonido y concibe esta obra. Si bien esta influenciado por el grandioso Sgt. Pepper’s de los Beatles, este LP fue pionero en muchos aspectos. Primero, es uno de los primeros albumes conceptuales de la hitoria del rock. Segundo, es el primero en crear una obra integra, fusionando la música clásica, el rock y la psicodelia. Tercero, es punto de debate, ya que creo es muy difícil determinar el origen en sí del rock progresivo, pero si este no fue el primero del género esta muy cerca, y sin dudas es una base enorme para lo que es el rock sinfónico. La música de The Moody Blues, esta muy cercana a las antiguas bandas sonoras, donde la música y narrativas cargadas de emotividad, tienen una función casi cinematográfica y descriptiva de los hechos, lo que ayudó mucho a terminar de redondear la conceptualidad del album. ¿ Y cuál es este concepto? los Moodys decidieron pintar un retrato de un día cotidiano de un hombre común, lo cual no le debe ninguna nostalgia al pasado, y no le quita ninguna posibilidad al futuro.
Además de la banda en sí, el responsable de este nuevo sonido de la banda es el señor Tony Clarke (encargado de la producción) y DECCA, ambos pusieron a disposición de los músicos las últimas técnicas de grabación y utilizaron el estudio como otra pieza fundamental para la grabación del disco a la par de la instrumentación. El credito para DECCA es indirecto, si bien puso al servicio de la banda una orquesta, el uso que querían darle era otro.
La compañía DECCA le propuso al grupo recién reformado, si podían hacer una versión de la Sinfonía número 9 en Mi menor, Opus 95 "Del Nuevo Mundo" de Antonín Dvorák. La idea de DECCA, era fundir en una sola obra la fusión entre música clásica y música popular, como nunca se había hecho antes, ya que si los Beatles (el gran chasco empresarial de DECCA) hicieron algo parecido en su "Sargento Pimienta", no se habían basado en ninguna obra de los grandes clásicos. El auténtico motivo de fondo era promocionar el nuevo sistema DDS (Deramic Sound System), tal como lo dijo Hugh Mendl.
Para este ambicioso proyecto se creó una banda de música clásica a la que se le llamó: The London Festival Orchestra, es decir, era como una banda creada para las sesiones de grabación del álbum, y ésta estaba dirigida por Peter Knignt.
De productor ejecutivo estaba el mentado Hugh Mendl, a la realización: Michael Dacre-Barclay y Tony Clarke, y de Ingeniero de grabación: Derek Varnals. La pintura de la cubierta es obra de David Anstey.
Toda la música estaba compuesta por: Redwave- Knight, a este último ya lo conocemos, pero ¿quién era Redwave? Pues era nada más y nada menos que el nombre en clave que habían dado los chicos para referirse a ellos, es decir eran los propios Moodies.
Los Moody Blues y la Orquesta jamás coincidieron en el estudio, la forma de trabajar era que cuando los MB tenían algo grabado se lo enviaban a Knight y éste junto con la orquesta hacía lo demás.
DECCA esperaba otra cosa, ya que ellos esperaban que al escucharla sonase a Dvorák, pero ni por asomo. Además habían gastado mucha pasta en su proyecto, y por ello decidieron sacarla al mercado, pero en sus mentes estaba la idea de una causa perdida.
En definitiva si Decca utilizó a un grupo que se estaba viniendo abajo, como mano de obra barata y asequible, para lanzar el nuevo DDS (poner de moda el estéreo en la música pop inglesa, ya que al contrario de USA toda la música popular se escuchaba en equipos mono), los Moodies se tomaron el trabajo muy libremente y a su manera. Así que engaño por engaño crearon esta joya del sinfónico

Dejo una entrevista, donde el grupo habla sobre este disco:
¿Cómo cambió la suerte de los Moody Blues de un grupo que entregaba R&B con poca fortuna, que había perdido recientemente a su manejador en la gran sensación de Days of Future Passed en poco menos de un año?

JOHN LODGE: En el verano de 1966, nos juntamos Justin, yo, Ray, Graeme y Mike. Sabíamos que no podíamos seguir con el grupo del 'Go Now', así que decidimos mudarnos a Bélgica, a un pueblito llamado Mouscron, y empezamos a escribir. Habían algunos clubs donde tocábamos para ganar lo suficiente para vivir y al mismo tiempo, concentrarnos en escribir nuestra propia música, la cual se tocaríamos en vivo. Por entonces, tocábamos temas de Tamla Motown, algunos blues, 'I Don't Mind' (No me importa) de James Brown, 'Impressions' (Impresiones) de Curtis Mayfield. Todas nuestras influencias venían de Estados Unidos. Empezamos a experimentar con la armonía, lo que fue realmente importante, y esto se convirtió en el soporte de la música de los Moody Blues. Nos concentramos en contraponer armonías que iban en contra de la melodía principal, y esto, pienso, fue inspirado por Impressions y por los Four Tops. Pero estábamos buscando nuestra propia dirección.

RAY THOMAS: Éramos una banda orientada al rock'n'roll pero Justin era más folk, así que esa fue la primera fusión, antes de Days of Future Passed, un casamiento de estilos musicales, una progresión natural. Teníamos algunas canciones que queríamos grabar pero no conseguíamos un estudio donde grabarlos. Necesitas un éxito para lograrlo, así que estábamos estancados.

JL: Regresamos a Inglaterra y enviamos algunos demos de nuestras canciones a Decca, que nos condujo a un par de sencillos, 'Fly me High' (Elévame a lo alto) y luego 'Love and Beauty' (Amor y Belleza). 'Fly me High' fue la primera verdadera progresión porque tenía todas las armonías. Fue el punto de quiebre.

También grabaron varias sesiones de radio en 1967.

JL: Es verdad. Fuimos a varios estudios de la BBC dos o tres veces a la semana, grabando nuevas canciones que se escucharía en Radio 1. La primera grabación de 'Nighs in White Satin' (Noches de Blanco Satén) fue hecho por la BBC, antes del álbum. De pronto nos dimos cuenta lo que habíamos logrado mientras estábamos sentados en la sala de control escuchando la primera grabación de 'Noches'. Y estábamos tan entusiasmados con el resto de nuestra música en vivo.

¿Cómo ocurrió lo del álbum Days of Future Passed?

JL: Decca nos preguntó si podíamos grabar nuestra versión de la 'Sinfonía del Nuevo Mundo' de Dvorak con una orquesta. Cuando íbamos a grabar DÍAS DEL FUTURO PASADO, fuimos a Decca y dijimos, ¿podemos tener un tiempo abierto para grabar? por ejemplo, queríamos el estudio 24 horas al día para preparar todo nuestro equipo y sólo grabar. En esos tiempos, sólo podías grabar en sesiones matutinas. Ellos aceptaron y luego dijimos que en vez de usar las melodías de Dvorak podíamos usar nuestras propias canciones.

RT: Se suponía que Days of Future Passed iba a ser un álbum de demostración. Ellos querían que tocáramos rock'n'roll y que Peter Knight hiciera la parte orquestal de Dvorak para repartirlo a sus representantes para darles una idea del alcance de su nuevo sonido Deramic que lo cubra todo. Pero pensamos que sería muy deshilvanado, así que le pedimos a Peter que se esforzara un poco más para grabar nuestros temas para los conciertos. Nunca llegamos a tocar con la orquesta. Todo lo que hicimos fue enviar cada pista a Peter, quien escribió y arregló los puentes con la orquesta. Todo fue muy hippy, ya sabes. ¡Poca luz y el incienso quemando!

¿Cómo llegaron a usar el Melotrón?

RT: La compañía que los construía era de la región central. Mike había trabajado con ellos, y compramos el primero del club social de Dunlop, ¡ya que nadie allí sabía como tocarlo! El Melotrón era una gran carga para llevarlo de viaje. En Estados Unidos se rompió más veces de la que funcionó, porque causaba un gran revuelo. ¡Era un gran bulto! El problema era que todo estaba bien por aquí porque nuestro suministro de electricidad es tan estable, pero en Estados Unidos podías afinar todo en los ensayos pero cuando te llegaba el momento de tocarlo, todos estaban en sus casas y encendían sus aparatos eléctricos y el Melotrón hacía como, "¡wooargh!" (se rie), como si hubiese un alternador de voltaje sobre el maldito aparato. Sonaba en todo el lugar.

¿Cómo reaccionó Decca al LP?

RT: Decca no estaba seguro qué hacer. Ellos dijeron, bueno, costó más de lo que pensábamos, así que debíamos lanzarlo para recuperar parte de la inversión. Fue una lista de errores de su parte.

JL: La compañía discográfica no estaba segura cómo promocionarlo, porque no tenía espacios entre las pistas para que los disc jockeys pudieran tocarlos fácilmente una pista. 'Noches de Blanco Satén' duraba seis minutos, asi que no parecía que saldría de alli un sencillo, especialmente en Estados Unidos. Así que iba contra todas las reglas de la 'música pop'. Pero no estábamos tratando de ser una banda de música pop, tratábamos de legitimizar la música de los Moody Blues como una entidad y pienso que DÍAS DEL FUTURO PASADO cerró el trato. Es la piedra angular sobre la cual construimos nuestra música.

¿Estuvo Days of Future Passed influenciado por el 'Sgt. Pepper' (Sargento Pimienta) de Los Beatles?

RT: Bueno, ellos no veían al Sgt. Pepper como algo conceptual. Era más como un espectáculo. El nuestro era como una sinfonía de música rock.

¿Tienen algunos recuerdos en particular de 'Noches de Blanco Satén'?

RT: Lo que realmente nos asombró fue como sonaban la voces junto al conjunto de cuerdas, era un poco fantasmal y muy conmovedor. La primera vez que escuchamos 'Noches' completo fue muy emocional.

GRAEME EDGE: Pienso que sólo fueron dos tomas. Pero la primera indicación que era algo fuera de lo ordinario fue cuando grabamos la canción para un programa de la BBC. Hay una algo como magia cuando eso sucede, aunque nos tomó algo de tiempo despegar en Estados Unidos. ¿Sabias de ese tipo en Seattle? La primera vez que salió 'Noches', llegó al puesto 29 en Inglaterra. Estábamos por grabar otro sencillo, 'Voices in the Sky' (Voces en el Cielo), cuando la compañía discográfica en los Estados Unidos nos contactó y nos dijo, que habíamos conseguido despuntar, es decir, un éxito en una ciudad. Era toda una locura en Seattle y se comenzó a difundir. Muchos años después, supimos quién fue el DJ que lo comenzó todo. Estaba en el turno de 12 hasta 4am, el turno muerto. Nos contó que quería fumarse algo, así que buscó en la lista de temas autorizados y seleccionó el disco más largo que le dejaban poner al aire: 'Noches de Blanco Satén'.

¿De qué se trataba la canción?

JUSTIN HAYWARD: ¡Alguien en realidad nos dió algunas sábanas de satén! Era sólo una frase que no tenía ningún sentido, especialmente si tenías una cierta cantidad de barba como la que tenía. Espantosas cosas, las sábanas de satén. En Estados Unidos nos decían que 'Noches' nunca se vendería. Era muy larga y muy lenta. Pero estaba de acuerdo con ellos por aquel tiempo. Lanzaron 'Tuesday Afternoon' (Martes en la Tarde) primero, y fue un gran éxito por allá. Pero luego le siguió 'Noches', que se convirtió en un éxito aún más grande. Decían en Estados Unidos que nadie bailaría con esa música, lo que era uno de los comentarios más estúpidos que alguien podría haber hecho. Realmente cualquiera puede bailar con 'Noches' porque vi que en la revista 'Rolling Stone' que estaba entre los primeros cinco canciones en las fiestas de etiquetas (Proms), y allí todos bailan.

Graeme, ¿cuándo fue la primera vez que te diste cuenta de tu fascinación con la poesía en la música de los Moody Blues?

GE: Cuando grabábamos Days of Future Passed, la sección de la mañana nos parecía algo vacía, así que escribí lo que se convirtiría en Morning Glory (La Gloria de la Mañana) y Late Lament (Lamento Tardío). Para evitar distracciones, me senté en nuestro camioneta Volkswagen y lo escribí en el interior de un paquete abierto de 20 cigarros Players. Traté de escribir algunas palabras para que alguien le pusiera la música, como una canción, pero la poesía tiene un ritmo y un metrado que es difícil convertirlo en canción. Así que nuestro productor Tony Clarke dijo, bien, está bien así como está. Sólo ponlo como un poema.

¿De donde vino el título del álbum?

JL: El título vino de forma independiente de Decca, pero lo maravilloso de todo fue que lo que teníamos era literalmente un día en la vida, exactamente la misma idea. En una de esas hermosas coincidencias. Peter Knight era un talentoso arreglista, y Decca era dueña del nombre de la Orquesta del Festival de Londres, la cual realmente era una orquesta de estudio. Estábamos tan emocionados con este álbum. Fue grabado en estéreo e hicimos monomímica. Pusimos algunos parlantes en el estudio e invitamos a nuestros amigos y a la gente de Decca. Apagamos las luces y tocamos Days of Future Passed del principio hasta el final. Era como un concierto a oscuras. Cuando acabó, las luces se encendieron y podías ver la sonrisa en todos como si algo mágico hubiese sucedido. Aún puedo sentir ese sentimiento. Sabíamos que estaba bien, y no hablo de un éxito comercial, sino de lo que los Moody Blues querían, la culminación de lo que hicimos por un año.

PERSONAL:
Justin Hayward: guitarras, piano, teclados, voces.
John Lodge: bajo, guitarras, voces.
Mike Pinder: teclados, melllotron, piano,voces
Ray Thomas: flautas. Vientos, percusión, teclados, voces.
Graeme Edge: batería, percusión
Peter Knight: conductor, arreglos

The London Festival Orchestra

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BUBU - ANABELAS (1978)

2008-10-15T13:45:00.000-07:00

Nombre: Anabelas
Banda: Bubu
Año: 1978
País: Argentina
Sello: EMI
Remasterizado 2007

TRACKLIST:
01 El Cortejo de un Día Amarillo [19:25]
-a) Danza de las Atlántidas
-b) Locomotora Blues
02 El Viaje de Anabelas [11:08]
03 Sueños de Maniquí [09:18]

Tiempo total: 39:51

EL DISCO:
Durante mucho tiempo este disco permaneció en el anonimato, gracias a internet se pudo dar a conocer este proyecto musical de alto vuelo sin precedentes en Argentina. Anabelas nos deleita con un progresivo ecléctico muy en la linea de King Crimson, clara influencia, pero con un estilo propio más sinfónico. No por contar con un violín y varias flautas encara su música desde un sinfonismo sentimental y expresivo, como es el estilo de las bandas italianas, sino que su música tiene mucha fuerza, aunque tiene sus pasajes pacificos. La música de Bubu, es compleja, abrupta, única. Con protagonicos repartidos entre las guitarras, el violín y el saxo, los demás instrumentos sirven de un perfecto acompañamiento. El punto bajo de este disco, se encuentra en las líricas, tanto en las letras como en las melodías de voz no son convincentes, aunque por ser el punto bajo no llegan a ser malas, lo que denota un nivel muy alto de esta obra en su conjunto. Me hubiera gustado escuchar otro trabajo de esta agrupación que lamentablemente dejo solo esta joyita, hoy considerada como una de las obras maestras del género a nivel internacional. Adjunto debajo la entrevista que acompaña al CD reedición del año 2007.

Daniel Andreoli, compositor de Anabelas, cuenta la historia de Bubu:
Para hablar de la génesis de Bubu, tenemos que situarnos en tiempo y espacio. Era una época muy creativa, no sólo en la música sino en el cine, en las letras, en la plástica… Éramos hijos de la generación del instituto Di Tella y teníamos un gran marco de referencia artístico, además de sentir el espíritu de libertad que uno respira a los veinte años. A esa edad nos conocimos con Jorge “Monin” Liechtenstein, quien por entonces era el baterista de Orion’s Beethoven. Con él nos juntábamos a tocar en su casa de Belgrano. Y ahí se fueron sumando Ricardo La Civita en flauta, Sergio Blostein en guitarra, Noel Reyes en violín, el futuro cantante y líder de Suéter, Miguel Zavaleta, en voz y más tarde Wim Fortsman en saxos.

Por ese entonces nos llamábamos Sion. Éramos muy jóvenes y la banda sacaba chispas; todos queríamos estar en el centro, pero había alguien que tenía la cabeza muy clara y sabía cómo se hacían las cosas, y ése era Wim. Un día me llevó aparte y me dijo: “mira, Daniel: esta música hay que volcarla en partituras, hacer un casting, empezar a a probar gente y que toquen los más idóneos.”
De todas maneras a esa altura el grupo original se estaba disolviendo por distintos motivos. Reyes estaba por irse a Estocolmo, Blostein trabajaba como músico profesional; en fin, cada uno estaba tirando para su lado. Entonces a Wim le cupo la tarea de armar el nuevo grupo, que fue Bubu.
Allí empezo un nuevo ciclo. Lo primero que se hizo fue buscar un lugar de ensayo y llamar gente. En ese mismo momento a mí me sale una beca del Collegium Musicum para profundizar mis estudios musicales. Yo tocaba el bajo en Bubu, pero ésta no era una música que se pudiese tocar sin estudiar varias horas al día: era necesaria una disciplina. Yo no quería perder la oportunidad del Collegium porque mi fuerte era la composición. Entonces, aunque me encantaba, tomé la decisión de dejar de tocar para dedicarme a componer. Hasta ahí había compuesto lo que es la primera par del disco de Bubu, “El cortejo de un día amarillo”, que contiene la “Danza de las atlántidas” y “Locomotora Blues”. Ya estaban las partituras individuales de los músicos y todo. Mi Rol de bajista lo cubrió Edgardo “Fleke” Folino y en lugar de Sergio Blostein entró el guitarrista Eduardo Rogatti, quien años más tarde tocaría con Juan Carlos Baglietto y León greco, entre otros.
Por su parte “Monin” fue suplantado por Eduardo “Polo” Carbella, ex miembro de los Pisk Ups y más tarde integrante de los Abuelos de la Nada, quien había tocado también conmigo cuando éramos chicos, ya que fuimos vecinos. Ingresaron Cecilia Tenconi en flauta, Sergio Polizzi en violín y continuó Miguel Zavaleta como cantante. De Miguel guardo un recuerdo muy especial, porque si no hubiese aportado todo su humor y toda su escenografía, hoy no estaríamos hablando de esta música. Tal vez todo hubiera terminado en una sala de ensato. Porque lo que atraía a la gente era una combinación entre la música de Bubu en sí y todo el despliegue que había sobre el escenario, y esto era un aporte innegable de Zavaleta
En el tiempo en que compuse “Anabelas” yo era disciplinado. Era uno de esos chicos que se tomaban las cosas muy en serio, al punto que había sacado las persianas de mi habitación para que cuando saliera el sol me despertara, y ahí empezaba yo mi trabajo del día; tenía mucha convicción, mucha fuerza. En aquel momento estaba muy copado con Igor Stravinsky y Olivier Messiaen, pero básicamente escuchaba a King Crimson, cuya influencia se nota en Bubu.
Otra característica que nos diferenció fue que, en aquel momento, una banda se formaba así, primero se juntaban los músicos y después entre todos armaban las composiciones. Bubu fue al revés: Primero se hizo la música y después se empezaron a probar intérpretes. Y en eso tuvo mucho que ver la mentalidad y el empuje de Wim Fortsman de concretar las cosas, de llevar a cabo la obra.
Las composiciones de Anabeñas las ensayamos febrilmente, todos los días. La batería era el instrumento más libre, porque yo consideraba que así tenía que ser. Pero ensayábamos las bases por separado. Bajo y batería por un lado. Después bajo, guitarra y batería. Y saxo, violìn y flauta por otro lado. Después se ensamblaban todas las partes. El mérito por el resultado obtenido fue de todos los músicos, ya que el esfuerzo y la entrega fueron totales. Y no era fácil, porque más de uno ya estaba casado y tenía hijos y esto no daba dinero.
Hubo un desgaste natural en la banda porque, si bien Bubu se presentó varias veces en vivo, la grabación del álbum se fue postergando más y más y eso contribuyó al deterioro grupal. Para colmo la salida del disco también sufrió una larga demora, de forma tal que cuando finalmente Anabelas aparece, en 1978, ya bubu prácticamente no existía. Ese desgaste que mencionaba tuvo mucho que ver con la salida de Zavaleta. Su relación con Wim a esa altura no era la mejor. Igual participó en dos sesiones de grabación, pero sintió que no podía continuar y decidió irse. Pero insisto: Miguel forma parte del alma de Bubu por más que el disco se haya hecho sin él.
A esta altura no quiero olvidarme de elogiar la labor de Petty Guelache, porque no era fácil calzarse los zapatos de Zavaleta y Petty, en un par de sesiones, metió las voces y lo hizo bien. Y también quiero mencionar a Daniel Grinbank –quien daba sus primeros pasos como manager- porque nos apoyó siempre y fue muy importante para el crecimiento de Bubu.
Viéndolo ahora, con la perspectiva que da el tiempo transcurrido me habría encantado que Bubu hubiese grabado un segundo disco, como estaba previsto en nuestro contrato pero, claro, ya el entorno social se había vuelto caótico. Varios de los músicos decidieron continuar sus carreras en el exterior, los que se quedaron se embarcaron en nuevos proyectos musicales y así la idea de continuar con el grupo se fue diluyendo poco a poco. Por mi parte, yo he seguido componiendo todos estos años y tengo una serie de trabajos que espero poder editar en un futuro cercano.
Nunca imaginé, en aquel entonces, que la música de Bubu obtendría el respeto del que hoy tiene en el circuito de rock progresivo internacional, donde se la conoce a través de ejemplares del viejo disco de vinilo, que ya es pieza de coleccionistas. Por eso me pone muy feliz que Anabelas finalmente aparezca en forma oficial en forma de CD.

Entrevista a Daniel Andreoli por Alfredo Rosso, enero de 2007

PERSONAL:
Sergio Polizzi: violín
Cecilia tenconi: flauta, flautín, flauta grave en sol
Win Fortsman: saxo tenor y letras
Petty Guelache: primera voz y coros
Eduardo Rogatti: Guitarra y efectos
Edegardo “Fleke” Folino: bajo
Eduardo “Polo” Corbella: batería y percusión
Daniel Andreoli: composición y arreglos

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